Barnizado:

Aplicación de tegumento protector. Parcial, como aislamiento de originales para su posterior restauración y total como protección definitiva de toda la obra.

Estabilizado:

Tratamiento aplicable a soportes textiles alterados por resecamiento, tendiente a restituir a las fibras sus características de flexibilidad y estabilidad originales.

Tratamiento funguicida:

Tratamiento químico-mecánico aplicable ante el deterioro causado por la presencia de hongos

Reintegración Cromática:

Aplicación de color sobre la sector que lo requiera, mediante la utilización de productos específicos de restauro totalmente reversibles. Puede llevarse a cabo teniendo en cuenta el criterio purista o ilusionista.

Plasteado:

Reposición de faltantes de imprimatura o capa de preparación del soporte principal.

Cambio de Bastidor:

Reemplazo del soporte auxiliar de un textil debido a que ya no puede cumplir con su función portante.

Refuerzo del bastidor:
Colocación de listones de refuerzo en bastidores que se encuentran en buenas condiciones físicas pero que no cumplen completamente su función portante.

Bandas Perimetrales:

Colocación de bandas de refuerzo que recorren todo el perímetro del reverso de un soporte textil, cuyos márgenes originales resultan insuficientes para el tensado o se encuentran deteriorados

Entablillado:

Corrección de alabeos en soportes lígneos mediante la colocación de un sistema embarrotado de refuerzo.

Corrección de deformaciones:

Procedimiento para devolver al soporte de una obras su forma y dimensión original

Consolidación:

Colocación de producto específico tendiente a lograr la cohesión y adhesión de una superficie con problemas totales de pulverulencia, ampollas, cazoletas , agrietamiento, etc. .

Fijado:

Colocación de adhesivo específico para restituir la cohesión y adhesión de una superficie con problemas parciales de pulverulencia, ampollas, cazoletas, escamas, etc

Reentelado:

Colocación de refuerzo total de material compatible sobre el reverso del soporte textil para solucionar problemas de debilitamiento general de las fibras , cortes de grandes dimensiones, etc.

Parche-Injerto:

Colocación de suplemento de material compatible en el reverso del soporte de la obra tendiente a reforzar el debilitamiento del mismo o como sostén de unión de corte. Colocación de suplemento compatible para restituir el material faltante del soporte principal de una obra

Desbarnizado:

Remoción total del tegumento protector deteriorado por el proceso de oxidación, manchas, pasmados, absorción no uniforme.

Limpieza Superficial:

Remoción de suciedad ( contaminación ambiental: smog, nicotina, cúmulo de grasitud, etc) por medios químicos (limpieza química) o mediante el uso de instrumental específico (limpieza mecánica).

Restauración de cuadros

Se realizan intervenciones sobre diversos tipos de soportes textiles, rígidos, tablas, cartón, placas, mixtos, etc. y diferentes técnicas pictóricas tales como óleo, acrílico, témpera, temple, técnicas mixtas.
Se trabaja con materiales específicos, químicamente testeados, acorde al criterios de reversibilidad principio fundamental de la restauración.
Se ejecutan procedimientos tales como limpieza mecánica y química, desbarnizado, parches, injertos de soporte faltante, reentelados, fijados y consolidación, cambios de bastidor, corrección de deformaciones, tratamientos antimicóticos, reintegración cromática.

Historia del graffiti

Desde el inicio de la historia, el hombre ha sentido la necesidad de manifestar sus inquietudes artísticas en las paredes de los lugares que habitaba. Prueba de este hecho lo demuestran las escenas que se encuentran en varias cuevas en diversos lugares del mundo. Un vivo ejemplo son las pinturas rupestres del hombre prehistórico. Sin embargo, la historia del graffiti es aún considerada como una asignatura pendiente.

Existen indicios de un arte parecido al graffiti hecho en carbón en las paredes y monumentos públicos de de Pompeya. En Roma se encuentran las letrinalias, que son inscripciones hechas en las letrinas antiguas.

Los musulmanes escribían en las paredes partes del Corán como decoración. Más tarde, los monjes italianos dejaban mensajes a sus colegas escritos en las paredes de modo que nadie más los entendiera, esto fue generando un nuevo estilo para la escritura de la época.

No obstante, el fenómeno del graffiti moderno como ente comunicativo social se da a partir de los acontecimientos históricos de los 60.

En Estados Unidos y América Latina, se empieza a desarrollar este tipo de arte en la década de los 70 y 80. Fue un proceso por medio del cual se pasó de varios estilos hasta llegar al más conocido hoy: el "spray".

Poco a poco, los escritores de graffiti se fueron convirtiendo en Artistas del graffiti. Usaban más colores, letras más grandes, incorporaron imágenes de la cultura pop, como personajes de dibujos animados e incluso crearon sus propias imágenes.

De este modo fue como el graffiti fue invadiendo a cada una de las ciudades del mundo, ya sean grandes o pequeñas.

Para la década de los 90 el graffiti ha vuelto a resurgir con gran fuerza. Se puede ver en televisión, en el fondo de los anuncios, vídeos musicales y películas. Se extiende por nuestra ropa e incluso nuestros cuerpos, mediante tatuajes.

Toda esta extensión se hace hasta el punto donde la letra de estilo graffiti se ve en numerosas impresiones y etiquetas de productos.

A continuación se presenta el concepto más amplio de graffiti como arte popular y sus diversos lenguajes.

significado la palabra "graffiti"

El término graffiti procede de la expresión italiana grafito, que significa: dibujo esgrafiado, o sea, dibujo grabado. El término ha sido empleado para describir muchos tipos de escritura mural y con el paso del tiempo a toda aquella producción gráfico-comunicativa hechas sobre cualquier superficie de los objetos públicos de las ciudades.

En el siguiente trabajo se hace un breve resumen de la historia de cómo fueron surgiendo los graffiti.

Además se estudia una descripción de lo que representa un graffiti y los elementos y lenguajes que utiliza.

Luego de esto se hace una revisión junto con los respectivos ejemplos de tres divisiones claramente establecidas en un graffiti: Graffiti Políticos, Sexuales y Religiosos.

Se presentan también ejemplos de graffiti encontrados en los alrededores de San José que sirven para ilustrar los contenidos y para dar una clara visión de lo que representan los graffitis.

Finalmente se dan una serie de conclusiones obtenidas por la investigación y que forman parte de nuestro aporte al tema.

adquisiciones de la Colección Mapfre

Paul Klee y Picasso, principales adquisiciones de la Colección Mapfre
El director general del Instituto de Cultura de la Fundación Mapfre,presentó ayer las nuevas adquisiciones de la Colección Mapfre, entre las que destacan, una acuarela de Paul Klee, 'Joven Palmera' y la serie completa de la famosa 'Suite Vollard' de Pablo

Junto a ellas, dibujos de Albert Gleizes, Lazlo Moholy-Nagy, Kart Schwitters, Francis Picabia, Joan Miró o Salvador Dalí, se incorporan a esta colección que hace, a partir de este año, una clara apuesta por la internacionalización, según explico hoy Pablo Burillo.

Asimismo, Burillo anunció la incorporación a la colección de la serie completa de fotografía de Nicholas Nixon (1947), 'Brown Sisters' con el objeto de potenciar una línea programática centrada en la fotografía, y la puesta en marcha de un 'Museo virtual' en el que están expuestas una selección de las obras más importantes que forman parte de las colecciones Mapfre. La inversión total en esta nuevas adquisiciones ha sido de tres millones de euros, según señaló a Europa Press, Pablo Burrillo.

En rueda de prensa, Burillo describió la acuarela de Paul Klee como la "gran estrella" de las adquisiciones, en la que el artista muestra una espectacular simbiosis entre entre perfección y delicadeza en el manejo de las tintas.

La gran capacidad plástica de Picasso

Respecto a la famosa serie de la Suite Vollard de Picasso, quizá la serie grabada más importante de la primera mitad del siglo, Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga y miembro del Comité de Compras de Mapfre, aseguró que este centenar de obras reflejan al "gran Picasso de los años 30" ya que sobre el papel, el artista malagueño "expresa su gran capacidad plástica y su dominio del dibujo figurativo".

La colección de 100 grabados de Pablo Picasso conocida como Suite Vollard, toma su nombre del marchante Ambroise Vollard, para quien grabó Picasso estos cobres entre septiembre de 1930 y junio de 1936. En ellos el artista malagueño emplea de manera novedosa y sorprendente diversas técnicas como buril, punta seca, aguafuerte y aguatinta al azúcar.

Cuatro temas se aprecian en el conjunto de la Suite Vollard -El taller del escultor, El minotauro, Rembrandt y La batalla del amor-, que completó Picasso con tres retratos de Ambroise Vollard, realizados en 1937.

Asimismo, la colección de dibujos Mapfre se ha ido ampliando con obras de artistas que inspiraron a los maestros españoles. Entre ellos Barradas, Picabia, Sonia Delaunay, Albert Gleizes o Serge Charchoune.

Dibujos de Bagaría y Vázquez Díaz

Esta política de nuevas adquisiciones se completa con la adquisición de obras relacionadas con la ilustración gráfica. Así destacan los quinientos dibujos de Luis Bagaría, que se corresponden con las colaboraciones que el artista realizaba diariamente para el periódico 'El sol' o un conjunto importante de obras de Vázquez Díaz, el gran representante de la vanguardia autóctona, compuesto por seis lienzos y 70 dibujos sobre personajes destacados de ese momento, incluidos en la colección 'Hombres de mi tiempo'.

Respecto a la incursión en la fotografía de las colecciones Mapfre con la serie de Nixon, Carlos Gollonet, asesor de Fotografía de la Fundación, destacó estas imágenes, realizadas a partir de 1975, como uno de los conjuntos más importantes de la fotografía contemporánea.

Esta serie, compuesta por 33 fotografías, en la que están representadas la mujer y las tres hermanas de Nixon, reflejan tanto "la pasión y el sentimiento" del fotógrafo norteamericano, como la naturalidad y el paso ineludible del tiempo, según indicó hoy Carlos Gollonet.

Desde el punto de vista formal, las fotografías destacan por su precisión y por su riqueza tonal y contempladas como serie, se convierten en instantes de equilibrio dentro de un ritmo incesante de transformación.

Los inicios de las colecciones artísticas de Mapfre se remontan a 1989, cuando la fundación adquirió la colección más importante que existe de Rafael de Penagos, el gran creador de la ilustración Art-Deco en España. Un año más tarde, Mapfre Vida compraba un importante conjunto de obras de José Gutiérrez Solana, compuesto por seis lienzos, 25 aguafuertes y 4 litografías. De esta manera, el germen de las colecciones ya marcaba, de manera evidente, la intención de recuperar y poner en valor la particular manera de entender la modernidad por parte de los artistas españoles.

nuevo académico de Bellas Artes de San Fernando

El pintor y escultor Miquel Navarro ha sido elegido académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Navarro ocupará la vacante dejada por otro escultor, el desaparecido de Juan de Ávalos. La candidatura de Navarro fue presentada por Francisco Calvo Serraller, José Luís Sánchez y Julio López.

Antes del nombramiento, Navarro fue sondeado por la Academia y él aceptó a que su candidatura fuera debatida, votada y finalmente aprobada. "Ingresar como académico en San Fernando es para mí un reconocimiento a mi trayectoria", admitió. Es consciente de que asume "una nueva labor" y lo hace con "muchísima ilusión".

El autor de la Pantera rosa y del Parotet aseguró que estaba recibiendo "numerosas felicitaciones" de amigos, de conocidos y de personalidades del mundo de la cultura. "Me siento muy contento", confesó. Añadió: "Hoy (por ayer) estoy viviendo un día muy intenso y satisfactorio".

Nacido en Mislata (Valencia) en 1945, Navarro es uno de los creadores plásticos españoles con mayor proyección internacional. Su primer exposición en Nueva York se celebró en 1980, y desde entonces es habitual en lo mejores museos y galerías de Europa, América y Asia.

En el acto de ingreso, Navarro defenderá una tesis que aún tiene que preparar. "Trataré de conjugar la obra de un autor europeo (cuyo nombre no quiso desvelar) con mi biografía", explicó. Tiene aproximadamente un año para presentar la tesis, pero él cree que el próximo otoño estará acabada.

Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y comenzó su carrera como pintor de tendencia expresionista, aunque desde 1972 se dedica casi exclusivamente a la escultura. En esa misma época se dedicó al diseño industrial aplicado a la cerámica. Del barro de sus primeras composiciones pasó pronto a metales como el zinc o el plomo, sin renunciar al vidrio, la piedra, el yeso o maderas de las más diversas texturas y orígenes.

Su obra, concebida y elaborada en el estudio del barrio de la Morería en Mislata al que sigue ligado, está hoy presente en destacadas colecciones y en varios de los museos más conocidos del mundo. Entre ellos, el Guggenheim de Nueva York y de Bilbao; la Fundación Lambert, de Bruselas; el Nacional Centro de Arte Georges Pompidou, de París; el Mie Prefectural Art Museum, en el Japón o el de Arte Contemporáneo de Barcelona.

Miquel Navarro admitió que desconoce el funcionamiento interno de la Academia de San Fernando, pero tiene claro que su cometido será "proponer empresas para sostener el criterio de Bellas Artes de credibilidad y prestigio".

Hace ahora tres años Miquel Navarro hizo una importante donación al Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que le había dedicado una extensa retrospectiva. Donó más de 500 piezas que permiten recorrer toda su trayectoria. En junio volverá al centro de Guillén de Castro con un trabajo alejado de sus 'ciudades' que consistirá en una composición de figuras de tamaño grande, avanzó.


Ciudades
En los últimos año Navarro ha insistido en unas composiciones que bautizó como 'ciudades' y que son grandes y complejas construcciones geométricas con las que explora las fronteras entre escultura y arquitectura. En estas piezas recurre a esquemas urbanos que desarrolla mediante cientos de piezas de hierro u otros metales. Son montajes en el que el artista casa escalas (lo grande y lo pequeño) con los tiempos (pasado y presente). La primera de estas 'ciudades' data de 1973 y era de barro, mientras que en las últimas ha recurrido a metales como el aluminio o el plomo.

Una de sus obras recientes es un humeante volcán-chimenea elaborado el pasado año con ladrillos refractarios y arena. Destacable es también la pieza de 25 metros de altura -Oteando- que instaló en Torrelavega (Santander). Otras piezas de gran formato -entre los 20 los 45 metros- están en Murcia (Mantis), Vitoria (La Mirada).

También es notable la obra que concibió hace un par de años para la catedral de Burgos. Con un peso superior a los trescientos kilos, es un retablo de dos por tres metros recubierto de pan de oro que se sitúa en el claustro bajo de la catedral y que reinterpreta en su propia clave esta secular pieza del arte eclesiástico. Su retablo combina el dorado del pan de oro con el color azul y es un relieve escultórico, figurativo y esquemáticos que quiere casar espiritualidad y poesía.

Miquel Navarro está en posesión de diversos premios, entre ellos el Nacional de Artes Plásticas (1986) el Alfons Roig de la Diputación de Valencia (1987), el Premio CEOE a las Artes (1990), el Nacional de la Asociación de Críticos de Arte (AECA) ARCO 95 o Valenciano para el siglo XXI, que otorga LAS PROVINCIAS (2001), el del Mérito Cultural de la Generalitat.

Respecto al futuro, tiene muchos proyectos: una fuente para la Exposición de Zaragoza y exposiciones en China, Vietnam, Tailandia y Corea. Sobre la mesa, además, hay una propuesta de exposición para Pekín, coincidiendo con la Olimpiada. El escultor comienza el año con numerosos compromisos laborales.

Donaire llega al Museo Tiflológico

La escultura de García Donaire llega al Museo Tiflológico

23-01-2008 - MDO El Museo Tiflológico de la ONCE expone la obra del escultor Joaquín García Donaire, que podrá visitarse desde mañana 24 de enero y hasta el 15 de marzo y que reúne una selección de 14 de sus esculturas.

“Obra en madera” es el título de esta exposición póstuma de García Donaire, que trae a la capital una selección de 14 esculturas en madera, del escultor de Ciudad Real.

Joaquín García Donaire (1926-2003) inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de su localidad natal, Ciudad Real. En 1942, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde terminó sus estudios en 1947. Estudió Imaginería Religiosa en la Escuela Superior de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría, en Sevilla y, de 1951 a 1955, ocupó la plaza de profesor en esta escuela. En 1985 tomó posesión del sillón de Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

La obra de García Donaire se reunió en las exposiciones “Torso y figuras”, de la Fundación Gregorio Prieto, en Valdepeñas (Ciudad Real); y “Donaire íntimo”, en el Centro de Exposiciones de la Diputación de Ciudad Real, ambas póstumas en 2003.

En el año 2004, la galería Alfama expuso parte de su obra; y la Sala de Arte del Centro Cultural Rodalquilar (Almería) organizó una exposición homenaje a la figura y obra de este artista.

Impresionismo y Pintura Impresionista

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.

El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

Aunque los hallazgos del impresionismo francés resultaron decisivos para la pintura del S. XX, conceptos como los de luz y color se encontraban ya en la pintura veneciana de mediados del S. XVI. Efectos que también están presentes en obras realizadas por Hals, Velázquez y Goya. Los antecedentes inmediatos los encontramos en los pintores como John Constable, Turner, Corot y en la escuela de Barbizón, con su aportación de la pintura al aire libre.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de Abril de 1874 en el Salón del fotógrafo Nadar. Las figuras principales del movimiento fueron Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.

Eduard Manet (1832-1883)


Se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo. Muchos han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas como en su Desayuno sobre la hierba que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. El tema ya contaba con antecedentes en el Renacimiento, pero Manet lo interpreta adecuándolo a la modernidad.


Lo mismo sucede con Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. Por ello podría decirse que Manet fue su precursor.

Monet (1840-1926)


Es uno de los pintores que más contribuye al movimiento. Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte.
Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Ejemplos: Impresión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con sombrilla, La estación de San Lázaro, La Catedral de Rouen.

Degas (1834-1917)

Es un impresionista más de la forma que del color. Es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos.

Es un gran observador de la mujer, capta las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas. Algunas de sus obras son: Clase de danza, La bebedora de ajenjo, Bailarina en la escena, Planchadores, Carreras. Cultivó el dibujo en detrimento del color, por lo que no armonizó bien con el Impresionismo, y tampoco con las tendencias conservadoras por sus temas contemporáneos.

Renoir (1841-1919)


Ofrece una interpretación más sensual del Impresionismo. Se pone en relación con los pintores del S. XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El palco, El columpio, El Moulin de la Galette, Le dèjeuner des canotiers, Bañistas, son sus obras más representativas.


Otros genios del impresionismo: Sisley, Pisarro

Tan fiel como Monet a la técnica del Impresionismo se mantuvo Sisley (1839-1899), que fue exclusivamente un pintor paisajista y será Pisarro (1830- 1903), quien lleve hasta las últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-impresionismo y al puntillismo.

Los autores impresionistas no tenían conciencia de grupo, aunque todos reivindican la libertad a la hora de seleccionar el motivo pictórico, cada uno plasmará lo que ve. Es un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, que se inicia con las vivencias personales y con las experiencias en soledad.

A principios de 1880 estas diferencias estilísticas y las cuestiones personales comenzaron a agudizarse y el Impresionismo como movimiento de vanguardia acabó diluyéndose. De sus cenizas comenzaron a gestarse las propuestas de otros artistas que darán lugar al post-impresionismo y al neoimpresionismo.



En España, el Impresionismo tuvo varios seguidores que manifestaron su preocupación por la luz. Entre ellos destacan Regoyos, Sorolla, Rusiñol y Casas.

· Impresionismo en España
· Sorolla
· Manet
· Monet
· Degas
· Renoir

Surrealismo. Pintura surrealista

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Precedentes del Surrealismo
Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Los artífices del surrealismo
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Ernst (1891-1979)
Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.Ciudades, Europa después de la lluvia.
Tanguy (1900-1985)
Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.
Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.
Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.
Masson (1896-1987)
Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.
Chagall (1887-1985)
Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.
Joan Miró (1893-1983)
"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".
Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).
Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.
Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de luna.
Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la UNESCO en París, Noche y día.
Salvador Dalí (1904-1989)
Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.
Le caracteriza la provocación y su método "paranoico-crítico". Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la paranoia. La sangre es más dulce que la miel, La persistencia de la memoria, El ángelus arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.
También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.
Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más clásico, pero siempre inquietante.
Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.
El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
Orden y secciones de esta páginaLa página del SURREALISMO está ordenada por subsecciones que aparecen en la columna de la izquierda.
· Surrealismo. Página principal· Salvador Dalí· Joan Miró

Enlaces Museos

Esta pagina contine enlaces a paginas dedicadas a la pinturas

The Vincent van Gogh Gallery
Presenta toda su producción artística, correspondencia, bibliografía y enlaces relacionados con el personaje.

Goya, exposición virtual
Ofrecida por la Diputación de Zaragoza, presenta una exposición virtual. Destaca especialmente el análisis de su producción artística: temática, técnicas, fuentes de inspiración, influencias. Muy completa.

Asociación Museo El Greco
Biografía, visita al Museo, actividades de la Asociación.

Picasso Official Web Site
Página Web oficial de Picasso, introducción escrita por Claude Picasso, sus obras.

Diego Rivera Web Museum
Museo virtual del famoso muralista mexicano.

The Andy Wharhol Museum
Paseo por el museo, información general, programas educativos.

Museo Sorolla
Información general, historia, bibliografía, colección, actividades, servicios.

Rijksmuseum (Amsterdam)
Magnífico museo con una excelente muestra de pintura holandesa: Rembrandt, Vermeer, Frans Hals, Jan Steen, Breitner...

Museo de la casa de Rembrand
Ubicada en Amsterdam, presenta su colección permanente: autorretratos, temas bíblicos, la rivera del Amstel, paisajes, vida cotidiana, ... y exposiciones del momento. .

J. Paul Getty Museum
Roma y Grecia antiguas, manuscritos medievales, pintura europea, escultura, fotografía, artes decorativas y dibujos.

Museo del Prado (Madrid)
En el Museo del Prado no sólo se puede disfrutar de una de las mayores pinacotecas del mundo sino también de colecciones, esculturas, dibujos, y otros tesoros artísticos. Entre sus muros se encierra más de un siglo de historia que, conociéndola, puede ayudarle a disfrutar aún más de su visita.

Museo del Louvre (Paris)
Propone un paseo por su historia, colecciones, visita cultural, revista, información sobre las actividades programadas, ... y además, páginas en español.

The Museum of Modern Art -MOMA- (New York)
Desde sus páginas tendrás acceso a sus colecciones, podrás visitar sus salas, conocer sus recursos para la educación.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
Entre otros, se encuentra el Gernica de Picasso. Podrás hacer una visita por todas las plantas del edificio. Proporciona información sobre exposiciones, actividades, historia, servicios, biblioteca, enlaces y noticias.

Museo Thyssen Bornemisza (Madrid)
Información sobre servicios, actividades, horario, visitas y tarifas.

The National Gallery (Londres)
Tiene alrededor de 2.300 pinturas, en esta página podrás ver sus colecciones permanentes y exposiciones monográficas.

Museo del Hermitage (San Petesburgo)
Tres millones de obras de arte en cinco magníficos edificios, antigua residencia de los zares.

The National Gallery of Art (Washington)
El NGA fue creado en 1937, se han ido incrementando sus fondos a partir de un buen número de donaciones.

Museo del Vaticano
Date una vuelta por la Capilla Sixtina, también puedes ver obras de Giotto, Rafael, Fra Angelico, etc.

Museo Guggenheim de Bilbao
Actualmente los fondos del Museo cuentan con obras de algunos de los artistas más significativos del arte de la segunda mitad de nuestro siglo como Eduardo Chillida, Yves Klein, Willem de Kooning, Robert Motherwell, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Clyfford Still, Antoni Tàpies y Andy Warhol, entre otros.

Museo Uffici (Florencia)
Información, galería de arte, historia, noticias.

The Tate Gallery (Londres)
Presenta la colección nacional británica de arte, desde el siglo XVI hasta nuestros días.

Museo Nacional (Varsovia)
Museo nacional de pintura en Polonia.

Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona
La Colección del Museu d’Art Contemporani de Barcelona está constituida por fondos procedentes de las tres instituciones que integran el Consorcio: Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona y Fundación Museu d’Art Contemporani, además de otros conjuntos de obras cedidas o depositadas, en condiciones diversas, por otras instituciones o por privados, al propio Consorcio. La Colección está formada actualmente por 1.630 obras.

Centro Georges Pompidou
Situado en el corazón de París, presenta su obra permanente y sus exposiciones de temporada

Fundación Pablo Ruiz Picasso (Málaga)
Auspiciado por el Departamento de Turismo del Ayuntamiento de Málaga.

Fundació Joan Miró (Barcelona)
En donde encontrarás la biografía y obra de Joan Miró. La Fundación se sitúa en Montjüic, en Barcelona.

Tienda del Museo del Louvre (Paris)
Catálogo con mas de 1.000 referencias.

Tienda del Museo of Modern Art -MOMA- (New York)
Propone una visita guiada por su tienda, tiene unos artículos realmente excelentes.

Tienda del la Tate Gallery (Londres)
Carteles, libros, tarjetas postales, ropa, diapositivas .

Tienda del la National Gallery of Art (Washington)
Libros, posters, joyería, multimedia, etc.

Tienda del Museo Andy Warhol
Con accesorios, libros, calendarios, música, posters, fotografía, ropa, videos, etc.

Tienda del Museo Thyssen Bornemisza (Madrid)
Carteles, libros, joyería, CDs, cerámica, foulards, etc.

Arte pop

Arte Pop (Pop Art)

Introducción al movimiento artístico del Arte Pop

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad.

Lichtenstein decía:

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo.
El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

Representantes del Arte Pop

Richard Hamilton

Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Roy Lichtenstein

Lo más característico de Lichtenstein son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los comics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la inclusión de la característica onomatopeya.

Tom Wesselmann

Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.

Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguesía americana.

En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.

En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo. Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete levantada.

Andy Warhol

Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.

Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.

Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.

El Arte Pop en España

España recibió igualmente las influencias pop, aunque no se puede hablar de que hubiera un movimiento unitario. Adquirió un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país.

Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.

Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo.
Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense, sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación y la utilización de tintas planas.

Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en una larga serie de viñeta interrumpida. ¡América, América!.

Incorporan también imágenes muy conocidas para sociedad española como el periódico Marca o los cigarrillos Ideales.
En la serie La recuperación integraron figuras de la pintura española del Siglo de Oro en un medio cotidiano actual como el de una olla express o el de la informática.

Arte feminista

El Arte feminista surgió a finales de la década de los años 1960, y abarca, en líneas generales, los esfuerzos y logros del movimiento feminista para hacer más visible el arte realizado por mujeres dentro de la historia del arte y la práctica artística. Ha de diferenciarse el «arte hecho por mujeres», que puede ser exactamente igual, en cuanto a temas y géneros, que el del hombre, de lo que es un «arte feminista», que pretende ser diferente, tratar otros temas y alterar los valores tradicionales en el arte.

El movimiento comenzó en los años sesenta, floreció a lo largo de los setenta, y sus efectos continúan hasta la actualidad. La creciente preeminencia de mujeres artistas dentro de la historia del arte, así como en la práctica artística contemporánea puede atribuirse a este movimiento de arte feminista.

Las artistas trataban temas normalmente excluidos en el arte tradicional, como las funciones biológicas femeninas o la maternidad. Es por lo tanto un arte político, que pretende ser hecho por mujeres y sobre las mujeres y su situación social, tratando temas como la violación, el racismo o las condiciones laborales. Los medios fueron diversos, desde las performances a las artes menores como el bordado, telas, papel recortado o el patchwork.

El Edificio de la mujer de los Ángeles fue un prominente museo conocido por sus muestras de arte feminista.

Dentro del arte feminista destaca la corriente pattern painting (pintura de patrones y decorativa, o Pattern & Decoration). Su nombre deriva de Pattern, motivo decorativo. Fue una corriente que nace de un grupo de artistas californianas opuestas al minimalismo, que usaron técnicas artesanales de naturaleza «femenina». Esta tendencia está personificada por Tony Robbin, Valérie Jaudon y Myriam Schapiro.

Wack! Art and the Feminist Revolution, (2007) con Connie Butler como curadora para el MOCA de Los Ángeles, fue la primera exposición, comprensiva e histórica, que examinó los fundamentos internacionales y el legado del arte feminista. Se centra en el periodo 1965–80, durante el cual ocurrió la mayor parte del activismo feminista. La exposición incluye obras de 120 artistas de los Estados Unidos, Europa Central y oriental, Iberoamérica, Asia, Canadá, Australia, y Nueva Zelanda.

Artistas :
Eleonor Antin
Isabelle Champion-Métadier
Judy Chicago
Jacqueline Dauriac
Margaret Harrisson
Valérie Jaudon, pattern painting
Joan Jonas
Mary Kelly
Suzanne Lacy
Sheila Levrant de Bretteville
Léa Lublin
Annette Messager
Kate Millett
Adrian Piper
Arlene Raven
Miriam Schapiro, pattern painting
Monica Sjoo
Nancy Spero
Eleanor Tufts
Faith Wilding
June Wayne
Mary Yates

Arte Concreto

Término acuñado durante el periodo de entreguerras para designar una tendencia de la abstracción que reivindica la objetividad y la autonomía de su lenguaje plástico y su capacidad para crear una realidad nueva, fuera de toda referencia o evocación de la realidad del mundo exterior. En 1930, el artista holandés Theo van Doesburg publicó en el primero y único número de la revista parisina Art Concret, un manifiesto (firmado también por Carlsund, Hélion, Tutundjian y Wantz) de seis puntos que sentaba las bases teóricas del arte concreto: arte calculado, lógico, que excluye cualquier expresión subjetiva y que reclama, por el contrario, que la obra sea "concebida y conformada enteramente en la mente antes de su ejecución". Junto al manifiesto presentó el cuadro La Composition arithmétique, obra abstracta geométrica cuya composición está regida por relaciones lógicas y estructuras deductivas, verificando el axioma según el cual "la construcción del cuadro, al igual que sus elementos, debe ser simple y controlable visualmente".
Características:
El arte se opone a la inercia de la naturaleza (horizontal-vertical): a ellas se opone la diagonal.
En el espacio: la creación artística es, por una parte, organización de energías (materiales como , energía latente, color, luz); por otra (en relación con el Constructivismo), "materialización de un esquema espacial;
La obra debe ser preconcebida en la mente y ser realizada tan precisa, impersonal e inmaterial como sea posible.
La construcción del cuadro, así como de sus elementos, debe ser simple y visualmente controlable.
Desean excluir todo lirismo, dramatismo y simbolismo.
El cuadro debe ser construido con elementos puramente plásticos : planos y colores, por lo que el cuadro no tiene más significado que "en sí mismo"
La técnica debe ser mecánica, es decir, exacta, antiimpresionista
Esfuerzo por la claridad absoluta.

Los Disidentes

"Los Disidentes", grupo de artistas y escritores que vivieron en París entre 1945 y 1950, crearon un movimiento de rechazo frente a las formas del arte y promovieron su renovación siguiendo las nuevas corrientes abstractas europeas. Varios artistas reacios a la enseñanza oficial de la escuela de Artes Plásticas, tomaron rumbo a París para conocer las nuevas tendencias abstractas. Entre estos pintores figuraban: , Alejandro Otero, Mateo Manaure, Luis Guevara Moreno, Carlos González Bogen, Narciso Debourg, Perán Erminy, Rubén Núñez, Dora Hersen, Aimée Battistini. La cabeza intelectual del grupo, es el entonces estudiante de filosofía J.R. Guillén Pérez. En París publicaron una revista con el nombre del grupo, Los Disidentes, de la cual sólo se editaron cinco números. La primera, salió en 1950. Para el segundo número se habían sumado al grupo otros venezolanos. Las proposiciones de estos artistas giraban en torno al arte abstracto. Negaron completamente las representaciones de la realidad. Quisieron centrarse en problemas netamente plásticos, es decir, en una pintura sin ningún mensaje paisajista o retratista, en la que lo único importante es el color, la luz, la textura, la composición, la construcción de las formas y los materiales. En otras palabras, rechazaron lo anecdótico o cualquier significado ajeno a la pintura misma. De esta manera, quisieron introducir el arte venezolano a las corrientes internacionales, que fueran más acorde con la época y más universal.

Alejandro Otero,
Nació en El Manteco, estado Bolívar, en 1921. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas entre 1939 y 1945. Este último año se trasladó a París en donde, con la influencia de Picasso, inició su trayectoria hacia la abstracción. Su serie de las "Cafeteras", que expuso primeramente en la Unión Panamericana, Washington, D.C., son ya un indicio. Con estas obras regresa a Caracas y presenta su primera exposición individual en el MBA. En París, al año siguiente, lidera el grupo Los Disidentes, cuya actuación es piedra angular del arte abstracto venezolano. A sus primeros ensayos con formas geométricas siguió su más famosa serie pintada: los "Colo-ritmos", obras expuestas en Caracas en 1960. Después de esta etapa abordó la escultura y trabajó en piezas integradas que él llamará "esculturas cívicas", punto de partida para retomar el concepto de arte integrado a la arquitectura, al paisaje y al urbanismo. Sus exposiciones individuales más importantes tuvieron lugar en: MBA, 1948, 1960, 1962; Taller Libre de Arte, 1949; Sala de Exposiciones de la Fundación Mendoza, 1962, 1964, 1965; Signals London, Londres, 1966; Galería Conkright, 1971, 1972, 1973; Galería Adler-Castillo, 1975; Museo de Arte Moderno de México, 1976; Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, estado Bolívar, 1991. Recompensas: Premio Nacional de Pintura y Premio Nacional de Artes Aplicadas, ambos en el Salón Oficial de Arte Venezolano, en 1958 y 1964 respectivamente; primer premio del II Salón Interamericano de Pintura, Barranquilla, Colombia; mención honorífica, V Bienal de Sâo Paulo, Brasil, 1959. El MACC le consagró a su obra una exposición retrospectiva, en 1982. En Caracas, después de su muerte, ocurrida en 1990, se le dio el nombre de Alejandro Otero al antiguo Museo de Arte La Rinconada.

Mateo Manaure,
Luis Guevara Moreno,
Carlos González Bogen,
Narciso Debourg,
Perán Erminy,
Rubén Núñez,
Dora Hersen,
Aimée Battist

El jinete azul

Grupo formado en Munich a finales de 1910 por Wassili Kandinsky, Franz Marc Poco después se unieron al grupo Paul Klee y Alexei von Jawlensky. La primera exposición del grupo la realizaron en Munich en diciembre de 1911. Al año siguiete realizaron otra en Berlín, gracias a Herwarth Walden, fundador de la galería "Sturm" y de la revista del mismo nombre. Ese mismo año de 1912 el grupo publicó una especie de almanaque en el que se reprodujeron obras de todos sus componentes y en el que colaboraron también otros artistas, como el músico vienes Arnold Schönberg que aportó sus teorías sobre la poética musical, y el pintor francés Le Fauconnier que difundió los planteamientos cubistas. El anuario tuvo un gran éxito, pero a causa de la guerra sólo se publicó un número del mismo.El objetivo del grupo, al igual que los expresionistas de Die Brucke , estaba puesto en la renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo y del positivismo materialista imperantes en su época. Pero a diferencia del expresionismo de "Die Brücke", las obras de "Der Blaue Reiter" eran más amables y líricas, predominando en ellas las líneas curvas y los contrastes de colores más suaves, en contraposición a las obras más agrias, de líneas quebradas y contrastes cromáticos más exaltados de "Die Brücke". Además los artistas de "Der Blaue Reiter", especialmente Kandinsky, tenían un deseo de recuperar el sentido espiritual del arte. Esto les llevó a orientar su obra hacia una depuración reflexiva de lo material con el fin de alcanzar y representar la esencia de lo real. Esta depuración se plasma en obras con diferente grado de reducción formal. Algunas contienen elementos en los que, a pesar de su esquematismo, claramente se aprecia su relación con motivos concretos (montañas, casas, árboles, etc.) y otras con un mayor grado de abstracción. De los artistas del grupo, Kandinsky y Klee fueron los que realizaron una obra más innovadora. Kandinsky llegó a suprimir toda referencia al mundo objetivo y realizó obras totalmente abstractas. En ellas intenta plasmar un proceso interno, "espiritual", nacido de su necesidad de expresión libre. En algunas de esas obras trata de vincular la pintura con la poesía y la música estableciendo relaciones entre sonido y color (este es el caso de su primera acuarela abstracta realizada en 1910). Para Kandinsky la obra de arte posee su propia vida interior, independiente de la realidad exterior, y se sustenta en su propio lenguaje. Kandinsky concibe la abstracción con un planteamiento filosófico y místico cuyos presupuestos quedan recogidos en su libro "De lo espiritual en el arte"
El grupo quedó desintegrado en 1914 por la Primera Guerra Mundial. Macke y Marc murieron en el frente de combate y Kandinsky regresó a Rusia. Años más tarde, Kandinsky regresó a Alemania para formar parte, junto con Klee, del profesorado de la escuela de la Bauhaus fundada en Weimar en 1919 por el famoso arquitecto Walter Gropius (1883-1969). Klee se incorporó en 1921 como "maestro de la forma" en los talleres de pintura sobre vidrio y encuadernación. Kandinsky se incorporó a la escuela en 1922 como "Formmeister" de pintura. Durante el tiempo que estuvieron en la Bauhaus, el expresionismo ya casi abstracto de estos dos artistas se hace geométrico, mostrando un claro predominio de la mentalidad racionalista que propugnaba la famosa escuela. En esta época Kandinsky escribe su otro famoso libro "Punto y línea sobre el plano", en el que incorpora las teorías que desarrolló en sus clases de la Bauhaus.

Abstracción Lírica

La Abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a partir de 1910 con la obra de Vasili Kandinsky, fecha que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la pintura abstracta: una acuarela de este pintor titulada precisamente Primera acuarela abstracta. De este mismo año es su obra De lo espiritual en el arte. Kandinsky ejemplifica esta abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte.

El tema que desarrollan los pintores de la abstracción lírica es, pues, la expresión de la emoción pictórica del artista, individual e inmediata. Rechazan representar la realidad de forma objetiva. La técnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeños. No obstante, también elaboraron grandes telas al óleo. Predomina el color sobre la forma.

Se considera que el creador de la abstracción lírica fue Vasili Kandinsky (1866-1944), con obras como Impresión n.º 5 (1911, Centro Pompidou), Arco negro (1912, Centro Pompidou), Composición VIII (1923, Museo Guggenheim, Nueva York), Composición inestable (1930, colección Maeght), Conglomerado (1943, Colección Nina Kandinsky). Otro autor al que se enmarca habitualmente dentro de la abstracción lírica es Paul Klee (1879-1940); de sus obras cabe citar: Senecio (1922, Museo de Arte, Basilea), Castillo y sol, 3 (1928) o Port et voiliers (Puerto y veleros, 1937, Centro Pompidou).

En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas. Uno de los precursores de esta tendencia fue Frank Kupka (1871-1957), pudiendo citarse su obra Las teclas del piano (1909, Galería Nacional de Praga); expuso en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos.

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo.

Posteriormente, cultivaron la abstracción lírica una serie de artistas parisinos después de la Segunda guerra mundial, en oposición a la abstracción geométrica.


Wassily Kandinsky:
nació en Moscú, donde estudió economía, el derecho y la etnografía. En 1889, al recibir una comisión por la Rusia Imperial, la Sociedad de Amigos de la Historia Natural, Antropología y Etnografía, Kandinsky se embarcó en una expedición en solitario a la remota provincia de Vologda, donde quedó impresionado por los nativos arte popular. Después de haber sido profundamente conmovidos por Monet's »Haystack", en 1896, se trasladó a Munich para estudiar pintura. Desde 1901 1904, estaba muy involucrado Kandinsky

En 1909 Kandinsky se inició lo que iba a ser su más poderoso y ambicioso proyecto titulado 'Composiciones'. Los siete primeros se produjeron entre 1909 1913 y el

Tres últimos en 1923, 1936 y 1939. Al mismo tiempo, también comenzó su "Impresiones" en la serie, y estos dos proyectos se conoce como el 'Improvisations serie. En estos eliminó cualquier representación aspectos a fin de trabajar en una forma puramente abstracta. En una colección de sus escritos se refiere a la Espiritual en el artículo (publicado por primera vez en 1912), Kandinsky explicó cómo el misticismo y theosophy eran importantes para sus intentos de expresar emociones profundas en su trabajo. Cuando su trabajo fue rechazado por la Neue Künstlervereinigung grupo, que ha creado el Blaue Reiter (el grupo Blue Rider) en 1911 con Franz Marc y agosto Nache. Para los próximos tres años, Kandinsky producido una enorme cantidad de trabajo y con una serie de exposiciones de prestigio en todo el mundo logrado un éxito considerable. Cuadros de este período incluyen "Composición VI '(1913) y" Luz de imágenes' (1913).

Con el estallido de la Primera Guerra Mundial, Kandinsky es obligado a abandonar Munich y regresar a Rusia donde se convirtió en un respetado profesor en varias escuelas antes de asumir un puesto de la Bauhaus en 1922. A pesar de la precisión geométrica que fue el estilo Bauhaus, Kandinsky experimentó con formas tales como círculos, triángulos y líneas desiguales. En 1922 se publicó Kleine Welten con ejemplos de Kandinsky, posiblemente, los mejores trabajos como artista gráfico, y en este momento se amplió su gama artística para el diseño de escenografía, vestuario y baldosas cerámicas.

En tanto sus escritos y pinturas, Kandinsky ha sido enormemente influyente. Él estaba intrigado por la posibilidad de transmitir una serie de emociones a través de la variedad de los colores y las líneas que escogió para su uso. Kandinsky fue influenciado por un gran número de estilos a lo largo de su carrera, como el Art Nouveau en la vuelta del siglo, el simbolismo en torno a 1910, en su interés por los efectos similares causados por los colores y los sonidos, y el surrealismo al final de su Carrera en el 'Blue Sky' (1940), por ejemplo. Sus numerosas obras siguen siendo exhibido en muchas galerías de todo el mundo.

Wassily Kandinsky



Edvard Munch
creció en Christiania (ahora Oslo), donde formó parte del grupo artístico Bohemios de Christianía fundado por el poeta y expresionista Hans Jager. Su madre y una de sus hermanas murieron siendo él muy joven y a otra de sus hermanas le fue diagnosticada una enfermedad mental. Su padre estaba dominado por obsesiones religiosas. Inculcó a sus hijos un profundo temor hacia el infierno asegurándoles que si pecaban de cualquier modo serían condenados al infierno sin esperanza de perdón. Munch pasó una infancia con numerosas enfermedades y de los cinco hermanos originales tan solo Andreas se casaría muriendo unos pocos meses después de la boda. Estos hechos podrían explicar la oscuridad y el pesimismo de gran parte de la obra de Munch. Más tarde afirmó "La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida". Varias fuentes modernas describen la enfermedad de Munch como un caso probable de desorden bipolar. Él consideraba esta personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada como la base de su genio.

Tumba de Edvard Munch en Oslo, NoruegaEn 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Paul Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde recibió algunos encargos oficiales (pinturas del paraninfo de la Universidad de Oslo) y pasó sus últimos años en soledad.

En los años 30 y 40 los Nazis etiquetaron su trabajo como "arte degenerado" y retiraron sus trabajos de los museos alemanes. Este hecho hirió profundamente a Munch, que se consideraba un antifascista y había llegado a apreciar Alemania como su segunda patria.

Murió en Ekely, cerca de Oslo, poco después de su octagésimo cumpleaños. Dejó más de 1.000 cuadros, 15.400 grabados, 4.500 dibujos y acuarelas y seis esculturas a la ciudad de Oslo que construyó el Museo Munch en Tøyen en su honor.

Munch careció de presencia en museos de España hasta fecha reciente. Ahora se conocen dos obras suyas: una en el Museo Thyssen-Bornemisza y un retrato (en préstamo) en el MNAC de Barcelona.

Arte abstracto

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.

Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX.

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.

Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas

Anacronistas

Se llaman Anacronistas (Anachronisti en italiano) a un grupo de pintores romanos que surgió en la primera mitad de los años 1980 en Italia, aunque hay artistas de otros países (Francia, España) que pueden enmarcarse en esta tendencia. Otras denominaciones son «pintura culta», que le dio el crítico de arte Italo Tommasoni, Nuevo Clasicismo, Neomanierismo, pintura de la «Nuova Maniera» (aunque esta denominación se ha usado también para los artistas de la transvanguardia italiana), «citacionistas» o «hipermanieristas».

Se inspiran en modelos del pasado, tanto de la pintura renacentista italiana, como en el manierismo y el barroco. Dentro de la modernidad, encuentran su antecedente en Giorgio De Chirico. No obstante, estos temas y estilos los tratan con cierta ironía y parodia, resultando a veces una caricatura. Su tema favorito es la figura humana, a la que colocan en actitudes incómodas.

Alberto Abate


Jean-Michel Alberola
Ubaldo Bertolini
Lorenzo Bonechi
Maurizio Calvezi
Gérard Garouste
Geneviève Laget
Carlo Maria Mariani
Guillermo Pérez Villalta
Anne y Patrick Pirier
Javier Rodríguez Quesada
Salvo
Stephano di Stasio

Abstracción-Creación

Abstracción-Creación. Grupo de artistas, herederos de las ideas del movimiento “Cercle et Carré" (París en 1922-1930), que surge en París en 1931, teniendo como finalidad el fomentar un arte no objetivo.

La aparición de este movimiento aparece como consecuencia del análisis de los fracasos de Cercle et Carré y Art Concret por lo que, Abstratcion-Création se crea a partir de un ideario claro y preciso con el que se pretende evitar la confusión en la que habían caído aquellos movimientos. En el artículo 1.º de sus Estatutos se recoge como principal objetivo «la organización en Francia y en el extranjero de exposiciones de arte no figurativo normalmente llamado Arte Abstracto, es decir, obras que no manifiesten ni la copia ni la interpretación de la naturaleza» figurando entre sus actividades, aparte de las exposicones, la edición e ilustración de la revista anual “Abstraction-Creation: Art non-figuratif" (1932-36).

Los artistas interesados en la estética abstracta se agrupan sucesivamente en tres movimientos: Cercle et Carré (1929), Art Concret (1930) y Abstraction-Création (1931-1936) unidos por un doble motivo: exhibirse como una fuerza internacional, buscando así la resistencia para enfrentarse a un público ostentosamente hostil, y plantear un debate estético al Surrealismo, movimiento con el que discrepan frontalmente. Dos exposiciones realizadas en estos años serán decisivas para la formación de estos movimientos: la exposición L’ESAC (Expositors Selectes d’Art Contemporain) en el Stedelijk Museum de Amsterdan, organizada por Nelly Van Doesburg en 1929 y la exposición de arte post-cubista celebrada un año más tarde en Estocolmo, bajo la dirección de Carlsund.

Tras diversos avatares, el grupo, desapareció como tal a finales de la década de los treinta, aunque sus principio e ideas, se retomarón , tras la segunda Guerra mundial, por Salon des Realités Nouvelles, siendo sus primeros participantes Jean Hélion, Auguste Herbin y Georges Vantongerloo pero pronto llegaron a ser un número considerable, entre los cuales se encontraban artistas de la importancia de Arp, Kandinsky y Mondrian.

Auguste Herbin 29 avril 1882 - Paris




Jean Hélion (Couterne-1904, Paris-1987

Para celebrar el centenario del nacimiento de Jean Hélion (Couterne-1904, París-1987), el Centro Pompidou, Museo Nacional de Arte Moderno está organizando una exposición retrospectiva dedicada al pintor. El caso de las huellas de su trabajo atípico: la abstracción más radical en los primeros años treinta a la figuración adoptó después de la Segunda Guerra Mundial, en un momento en que todo el mundo domina la pintura abstracta, y que mantendrá hasta los últimos cuadros.

En 1930, Jean Hélion necesario en la historia del arte moderno en la base, con Theo van Doesburg, Otto Carlsund y Leo Tutundjian, el primero francés de vanguardia comprometido con una radicalmente el arte abstracto (arte concreto), que se convierte En 1931 el movimiento de la abstracción - Creación, disuelto en 1936. Activo en Inglaterra donde participó en la creación de la revista Eje, y los Estados Unidos donde su taller es un lugar para obtener información sobre los movimientos de capital moderna, que suscita la admiración de Ad Reinhardt y el joven Robert Motherwell, que considera un resumen de los pintores Más grande de Nueva York a mediados de los años treinta.
Pero es a partir de estos años qu'Hélion se mueve cada vez más hacia una figuración de las formas simplificadas y resueltamente hacia una pintura figurativa, que sustituye al dogmatismo resumen movimiento de la vida cotidiana, donde las cifras suelen tomar un sentido alegórico. En Francia, donde en la década del cuarenta triunfo de la abstracción, su obra parece ser anacrónico, pero será una referencia importante para un artista pop como Jim Dine y la influencia, en los años sesenta, de los pintores Eduardo Arroyo Figuración como Gilles Aillaud o narrativa.
La exposición presenta 80 cuadros y una veintena de dibujos, y se reúne por primera vez todas las composiciones de gran formato.



Georges Vantongerloo

B. 1886, Amberes; D. 1965, París
Georges Vantongerloo nació el 24 de noviembre de 1886, en Amberes. Estudió unos 1900 en la Academia de Bellas Artes de Amberes y de Bruselas. Pasó los años 1914-18 en los Países Bajos, donde su trabajo llamó la atención de la reina. Mientras trabajaba en los diseños arquitectónicos, se reunió Vantongerloo Piet Mondrian y Bart van der Leck, y Theo van Doesburg, y colaboró con ellos en la revista De Stijl, que se fundó en 1917. Poco después de su regreso a Bruselas en 1918 se trasladó a Menton, Francia. En Francia desarrolló una estrecha amistad con el artista y arquitecto Max Bill, que era organizar muchas exposiciones Vantongerloo. Vantongerloo En 1924 publicó su panfleto "L'art et son avenir", en Amberes.

En 1928 el artista-arquitecto-teórico pasado de Menton a París; allí en el año 1931 se convirtió en vicepresidente de la de los artistas asociación Abstraction-Création, cargo que ocupó hasta 1937. Su modelos de puentes y un proyecto de aeropuerto se exhiben en el Musée des Arts Décoratifs de París en 1930. En 1936 participó en la exposición Cubismo y Arte Abstracto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su primera exposición individual se celebró en la Galerie de Berri en París en 1943. Vantongerloo una exposición compartida con Max Bill y Antoine Pevsner en 1949 en la Kunsthaus Zürich. Su septuagésimo quinto cumpleaños, se observó con una exhibición individual en la Galerie Suzanne Bollag en Zurich en 1961. Al año siguiente Bill Vantongerloo organizó una gran retrospectiva de la Galería Marlborough de Nueva Londres en Londres. Vantongerloo falleció el 5 de octubre de 1965, en París.
alemán a francésalemán a inglésárabe a ingléschino a ingléschino (simplificado a tradicional)chino (tradicional a simplificado)coreano a inglésespañol a inglésfrancés a alemánfrancés a inglésgriego a inglésholandés a inglésinglés a alemáninglés a árabeinglés a chino (simplificado)inglés a chino (tradicional)inglés a coreanoinglés a españolinglés a francésinglés a griegoinglés a holandésinglés a italianoinglés a japonésinglés a portuguésinglés a rusoitaliano a inglésjaponés a inglésportugués a inglésruso a inglés

Art Brut

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica.
Sus obras son el reflejo de una creatividad pura sin contaminar por la imitación de modelos ya establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Adolf Wölfli (1864-1930)
















Joseph Crépin (1875-1948)



Augustin Lesage (1876-1954))

Aloïse Corbaz (1886-1964)















Jean Dubuffet (1901-1985)



Robert Tatin (1902-1983)



Gaston Chaissac (1910-1964)




















Ossorio (1916-1990)

Alfonso Ossorio ha hecho una contribución única a la historia del arte moderno en América. Como un inmigrante a los Estados Unidos sólo una década antes de la Segunda Guerra Mundial, graba su propio camino hacia el éxito, la creación de amistades duraderas con importantes artistas de vanguardia como Jackson Pollock y Jean Dubuffet. A lo largo de su carrera, Ossorio activamente su propio estilo único que combina aspectos del expresionismo abstracto, Art Brut y Ensamble, el miedo a experimentar con diversos medios, con el rechazo del uso convencional de la pintura de aceite.

Un análisis de la labor del artista Ossorio primeras obras fueron impresas lado, los grabados de madera sobre la base de su propia poesía. Estas obras muestran su interés en contraste estático y líneas rítmicas con el fin de equilibrar la composición. Se resumieron los humanos en una forma primitiva, la naturaleza primordial, que prefigura su posterior interés en primitivos artefactos durante sus estudios en la Universidad de Harvard y su fascinación con Dubuffet's Art Brut colección. Temprano en su carrera, un placer trabajar con la mayoría de los medios de comunicación, con excepción de pintura al óleo. Él experimentó con bocetos, acuarelas, grabados y escultura. Alfonso Ossorio en la capacidad de estimular y desafiar al espectador su empatía con la naturaleza y la aceptación de la condición humana puede ser vista a través de su arte. Sus retratos, que son principalmente acuarelas y tintas sobre papel, muestran su interés en las características físicas y de espíritu interior de la niñera. Que capta cada una de las líneas y arrugas de la cara, crea wispy, resumieron el pelo y las pinturas detalles vívidos de los ojos para añadir un realista, y sin embargo la calidad del sueño-como a la labor. Aunque sus obras rendir homenaje al surrealismo, la manejados órganos y cirugías horrible que había visto como ilustrador médico durante la Segunda Guerra Mundial fueron su principal fuente de influencia. Su anatómicos con sus versiones distorsionadas, rotura de extremidades puede compararse a la labor de Salvador Dalí. Ossorio, como Dalí, ampliada figural partes del cuerpo en las formas retorcidas y contorsiones que casi parece que emanan a la superficie de su obra. A pesar de estas similitudes, Ossorio explicó en una entrevista con el historiador Judith Wolfe en La cala de que en 1980 estas obras son, de hecho, no surrealista. Para él, son cuidadosos estudios y propósito de las descripciones de la forma en que vea los objetos que pintaba. En 1947, él comenzó a añadir a su cera de acuarelas y dibujos de tinta con el fin de crear una densa capa de murkiness colores. En 1949, su técnica de mayor desarrollo, con influencias de su nuevo amigo artista Jackson Pollock. Comenzó a crear un entorno dinámico de la policromía de colores trenzados. Sin embargo, a diferencia de las capas de pintura organizado que Pollock construido en su goteo pinturas, Ossorio de la técnica fue mucho menos controlada. Su proceso fue espontáneo con feroces golpes de color completamente inventando composiciones abstractas con ningún foco. A su regreso en 1950 a Filipinas para pintar un mural de la capilla de San José, el trabajador, su visión artística desarrollado aún más. En este sentido, creó una escena usando Juicio Final en punto, con figuras estilizadas orgánica, de líneas onduladas y formas geométricas similares a los de sus primeros grabados de madera. Su escena combina el clásico de Filipinas tradiciones del arte popular-con una visión más contemporánea. Solía calcinante rojos y naranjas feroz para crear una paleta de colores que destaca la importancia de Cristo heridas sangrantes, que se amplió a más grande que la vida-tamaño. Ossorio es muy sensible a las heridas de Cristo y esas lesiones vistos como símbolos de un mundo incapaz de curar. Ossorio antes de la ocupación con las imágenes de partes del cuerpo, huesos y cráneos continuado en su Ensamble obras. Solía plástico cifras reales y huesos de animales para crear composiciones turbulentas que, una vez más, reflejan la naturaleza de los objetos físicos y su efímero lugar en el universo. Todas las mencionadas imágenes culmina en el ensamble de sus más famosas obras conocidas como Congregaciones. En sus Congregaciones, Ossorio creó su propio lenguaje visual, utilizando una combinación de los objetos encontrados, como conchas, huesos de animales, cuernos, astas, virutas de madera, cuerda y ojos de vidrio que hacer una conexión a temas como la vida y la muerte. Combinó estos objetos encontrados con diversos medios de comunicación-como la cera y tinta sobre papel, aceites, yeso, tela, esmaltes, maderas, y / o en otros diversos materiales. Aunque improbable formado por combinaciones de materiales, su Assemblages están en equilibrio a través de su simetría y claramente pensado patrones de colores. En el catálogo de una exposición sobre las obras a principios de Ossorio en el Whitney Museum of American Art, Curador Klaus Kertess escribió sobre su propia experiencia de testigo presencial del Congregaciones Ossorio. Afirma que son un "caos visual de la interdependencia y el orden." Uno a menudo se encontraba con Ossorio en su estudio, ya sea de pie sobre un lienzo estirado-o acostado en el suelo haciendo rápidos trazos gruesos y impasto marcas. A lo largo de toda su carrera, sus dibujos y ensambles continuación a la prueba de su fascinación con la búsqueda de lo divino en la naturaleza. Aunque las imágenes de la muerte y la vida están presentes en el nacimiento muchas de sus obras, nunca es a favor de una sobre la otra. Una infrecuente equilibrio está siempre presente. Ossorio pasado la mayor parte de su carrera tratando de encontrar una resolución entre su sexualidad y su educación católica. En un mundo que apenas se comienza a aceptar la interpretación visual de esas cosas, su abierta expresión de esa lucha por la identidad mostró una enorme muestra de coraje y pasión que sigue viviendo en el día de hoy a través de su arte.

consejos para sacar las mejores fotos digitales

No cabe duda de que la fotografía es un arte y, por lo tanto, no hay reglas a la hora de obtener las mejores fotos. Si se pueden dar, sin embargo, algunas recomendaciones, consejos que te permitirán mejorar tu estilo, experimentar y mejorar la calidad de tus fotos. Y son válidas independientemente del objeto de tus fotos: un niño, un perro, la naturaleza... trata de aplicar los siguientes consejos sea lo que sea lo que pretendes fotografiar.

Ponte a su nivel.
Cuando fotografías un ser vivo es muy importante colocarte en el plano donde desarrolla su vida. Con los niños o las mascotas suele ser interesante arrodillarse y fotografiando desde el punto en el que ellos viven y ven el mundo.

Llena todo el espacio.
Las fotos suelen tener más fuerza y ser más interesantes cuando el sujeto a fotografiar llena todo el espacio de la captura. Muchos cometen el error de situarse demasiado lejos del sujeto. Si no te puedes acercar, usa el zoom. De este modo se recogen muchos más detalles, se gana expresividad y se evita que el fondo gane protagonismo.

Acércate un poco más.
Cuando creas que ya has dado con la composición de tu fotografía, acércate incluso un poco más. Valora los resultados y ¡sorpréndete!.

Utiliza fondos simples.
Siempre que fotografíes algo fíjate bien en el fondo sobre el que está. Conviene elegir un fondo que no distraiga la atención del sujeto de tu fotografía. Elige fondos oscuros sin muchos detalles. Los fondos muy luminosos pueden hacer que tu cámara digital oscurezca el sujeto principal de tu fotografía.

Usa el flash.
La mayor parte de la gente piensa que en exteriores nunca hay que usar flash, pero no es cierto. Cuando el sol está realmente brillante es cuando arroja sombras más densas. Si no te interesa que tu fotografía presente estas sombras... usa flash. Y no olvides estar lo suficientemente cerca como para que el flash resulte efectivo.

Cuidado con la luz.
Las fotografías capturan la luz que reflejan los objetos. Por eso, la luz es uno de los elemento esenciales en las fotos digitales. Cuando estés listo para tomar una foto, párate un momento y analiza la posición del sol, el ángulo de incidencia y hacia dónde arroja las sombras. Salvo que pretendas obtener un objeto muy concreto, evita los contraluz.

Verticaliza.
Hay muchas, muchas fotografías que lucirán mucho mejor si las dispones verticalmente. La verticalidad permite destacar ciertas siluetas. Haz pruebas tomando ciertas capturas en formato vertical y horizontal al mismo tiempo. Compara, y extrae tus propias conclusiones.

¡Fuera del medio!
Es un típico error situar siempre el sujeto de tus fotografías justo en el centro del marco. Divide el área a fotografiar en 9 áreas rectangulares de igual área, y trata de situar los sujetos de interés en cualquiera de las líneas que marcan las fronteras de las 9 áreas. Te sorprenderán los resultados.

Cámara fija.
Asegúrate que tu cámara digital está fija y quieta. Una cámara con tendencia a moverse generará imágenes borrosas. Si no tienes buen pulso deberás ayudarte de un trípode. A veces, por muy buen pulso que tengas, el tripode será un elemento imprescindible para que tus fotos no salgan movidas.

Dispara a discreción.
Para hacer las mejores fotos hay que hacer más y más fotos siempre. Con una cámara digital no hay miedo... hacer más y más fotos es gratis. Realiza fotos al mismo sujeto variando el ángulo, la iluminación... y luego, evalúa los resultados. En muchas ocasiones tú mismo serás tu mejor maestro

Primeros objetivos por Zeiss

Los avances en las prestaciones de los objetivos, llegaron a partir del año 1903 con los objetivos fabricados por Zeiss. Otros progresos fueron aportados por el sistema réflex en 1828. La primera cámara réflex binocular con un objetivo para la toma, otro para el encuadre y el enfoque, fue construida por H.Cook en 1865

Polaroid Land, por Edwin Herbert Land Algunos investigadores se dedicaron a experimentar el método de fotografía instantánea, es decir, con la posibilidad de revelar la película en interior del aparato, en lugar de la cámara oscura.La fotografía instantánea se hizo realidad en 1947, con la cámara Polaroid Land, basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land.Añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.