Art Brut

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica.
Sus obras son el reflejo de una creatividad pura sin contaminar por la imitación de modelos ya establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Adolf Wölfli (1864-1930)
















Joseph Crépin (1875-1948)



Augustin Lesage (1876-1954))

Aloïse Corbaz (1886-1964)















Jean Dubuffet (1901-1985)



Robert Tatin (1902-1983)



Gaston Chaissac (1910-1964)




















Ossorio (1916-1990)

Alfonso Ossorio ha hecho una contribución única a la historia del arte moderno en América. Como un inmigrante a los Estados Unidos sólo una década antes de la Segunda Guerra Mundial, graba su propio camino hacia el éxito, la creación de amistades duraderas con importantes artistas de vanguardia como Jackson Pollock y Jean Dubuffet. A lo largo de su carrera, Ossorio activamente su propio estilo único que combina aspectos del expresionismo abstracto, Art Brut y Ensamble, el miedo a experimentar con diversos medios, con el rechazo del uso convencional de la pintura de aceite.

Un análisis de la labor del artista Ossorio primeras obras fueron impresas lado, los grabados de madera sobre la base de su propia poesía. Estas obras muestran su interés en contraste estático y líneas rítmicas con el fin de equilibrar la composición. Se resumieron los humanos en una forma primitiva, la naturaleza primordial, que prefigura su posterior interés en primitivos artefactos durante sus estudios en la Universidad de Harvard y su fascinación con Dubuffet's Art Brut colección. Temprano en su carrera, un placer trabajar con la mayoría de los medios de comunicación, con excepción de pintura al óleo. Él experimentó con bocetos, acuarelas, grabados y escultura. Alfonso Ossorio en la capacidad de estimular y desafiar al espectador su empatía con la naturaleza y la aceptación de la condición humana puede ser vista a través de su arte. Sus retratos, que son principalmente acuarelas y tintas sobre papel, muestran su interés en las características físicas y de espíritu interior de la niñera. Que capta cada una de las líneas y arrugas de la cara, crea wispy, resumieron el pelo y las pinturas detalles vívidos de los ojos para añadir un realista, y sin embargo la calidad del sueño-como a la labor. Aunque sus obras rendir homenaje al surrealismo, la manejados órganos y cirugías horrible que había visto como ilustrador médico durante la Segunda Guerra Mundial fueron su principal fuente de influencia. Su anatómicos con sus versiones distorsionadas, rotura de extremidades puede compararse a la labor de Salvador Dalí. Ossorio, como Dalí, ampliada figural partes del cuerpo en las formas retorcidas y contorsiones que casi parece que emanan a la superficie de su obra. A pesar de estas similitudes, Ossorio explicó en una entrevista con el historiador Judith Wolfe en La cala de que en 1980 estas obras son, de hecho, no surrealista. Para él, son cuidadosos estudios y propósito de las descripciones de la forma en que vea los objetos que pintaba. En 1947, él comenzó a añadir a su cera de acuarelas y dibujos de tinta con el fin de crear una densa capa de murkiness colores. En 1949, su técnica de mayor desarrollo, con influencias de su nuevo amigo artista Jackson Pollock. Comenzó a crear un entorno dinámico de la policromía de colores trenzados. Sin embargo, a diferencia de las capas de pintura organizado que Pollock construido en su goteo pinturas, Ossorio de la técnica fue mucho menos controlada. Su proceso fue espontáneo con feroces golpes de color completamente inventando composiciones abstractas con ningún foco. A su regreso en 1950 a Filipinas para pintar un mural de la capilla de San José, el trabajador, su visión artística desarrollado aún más. En este sentido, creó una escena usando Juicio Final en punto, con figuras estilizadas orgánica, de líneas onduladas y formas geométricas similares a los de sus primeros grabados de madera. Su escena combina el clásico de Filipinas tradiciones del arte popular-con una visión más contemporánea. Solía calcinante rojos y naranjas feroz para crear una paleta de colores que destaca la importancia de Cristo heridas sangrantes, que se amplió a más grande que la vida-tamaño. Ossorio es muy sensible a las heridas de Cristo y esas lesiones vistos como símbolos de un mundo incapaz de curar. Ossorio antes de la ocupación con las imágenes de partes del cuerpo, huesos y cráneos continuado en su Ensamble obras. Solía plástico cifras reales y huesos de animales para crear composiciones turbulentas que, una vez más, reflejan la naturaleza de los objetos físicos y su efímero lugar en el universo. Todas las mencionadas imágenes culmina en el ensamble de sus más famosas obras conocidas como Congregaciones. En sus Congregaciones, Ossorio creó su propio lenguaje visual, utilizando una combinación de los objetos encontrados, como conchas, huesos de animales, cuernos, astas, virutas de madera, cuerda y ojos de vidrio que hacer una conexión a temas como la vida y la muerte. Combinó estos objetos encontrados con diversos medios de comunicación-como la cera y tinta sobre papel, aceites, yeso, tela, esmaltes, maderas, y / o en otros diversos materiales. Aunque improbable formado por combinaciones de materiales, su Assemblages están en equilibrio a través de su simetría y claramente pensado patrones de colores. En el catálogo de una exposición sobre las obras a principios de Ossorio en el Whitney Museum of American Art, Curador Klaus Kertess escribió sobre su propia experiencia de testigo presencial del Congregaciones Ossorio. Afirma que son un "caos visual de la interdependencia y el orden." Uno a menudo se encontraba con Ossorio en su estudio, ya sea de pie sobre un lienzo estirado-o acostado en el suelo haciendo rápidos trazos gruesos y impasto marcas. A lo largo de toda su carrera, sus dibujos y ensambles continuación a la prueba de su fascinación con la búsqueda de lo divino en la naturaleza. Aunque las imágenes de la muerte y la vida están presentes en el nacimiento muchas de sus obras, nunca es a favor de una sobre la otra. Una infrecuente equilibrio está siempre presente. Ossorio pasado la mayor parte de su carrera tratando de encontrar una resolución entre su sexualidad y su educación católica. En un mundo que apenas se comienza a aceptar la interpretación visual de esas cosas, su abierta expresión de esa lucha por la identidad mostró una enorme muestra de coraje y pasión que sigue viviendo en el día de hoy a través de su arte.