jueves, 28 de febrero de 2008

La escultura de Sorolla


La escultura de Sorolla se restaurará y volverá a la playa
28.02.08 - REDACCIÓNVALENCIA

La concejalía de Cultura ha aceptado la propuesta de los socialistas y los técnicos estudiarán el proyecto de restauración de la deteriorada escultura de Sorolla.

El concejal socialista Juan Soto solicitó al Ayuntamiento que el monumento que tiene el pintor en la plaza Armada Española volviera a la playa, donde originariamente se encontraba y fue trasladado tras la riada producida en 1958.

Junto a la redacción de un proyecto de restauración, el Ayuntamiento se pondrá en contacto con la Demarcación de Costas para estudiar si es posible que la escultura se ubique en la arena. "Los técnicos determinarán si es viable y no le perjudica por la subida del agua", añadió ayer el concejal socialistas Juan Soto.

Si no es posible, el PSPV propone que la escultura se ubique en el paseo marítimo.

el Rockefeller Center en Nueva York

Una escultura en forma de fuente de agua ilumina el Rockefeller Center en Nueva York
Archivado en:cultura, actos, exposiciones, eeuu, arte
EFE Actualizado 27-02-2008 20:22 CET
Nueva York.- Los artistas británicos Tim Noble y Sue Webster inauguraron hoy en Nueva York su escultura "Electric Fountain", una fuente luminosa que permanecerá abierta al público en la plaza del Rockefeller Center hasta el próximo 5 de abril.

(EFE)La fuente se encenderá todos los días desde las 06.00 hora local hasta medianoche, en la plaza del Rockefeller Center, conocida por acoger el árbol de Navidad y la pista de patinaje más famosas del mundo.
Esta obra, de 10,7 metros de alto por 10,6 metros de ancho, pretende imitar el movimiento del agua mediante una fuente de luz tridimensional, que utiliza 3.390 bombillas y 527 metros de tubos de neón.

Según explicaron hoy a Efe los artistas, utilizaron por primera vez en su trabajo bombillas LED (con diodos emisores de luz) porque estas representan "el futuro" en la tecnología de la iluminación, y al mismo tiempo "no dañan el medio ambiente, ya que pueden crear una imagen de fuerte brillo mediante la energía de solo 120 amperios".

La escultura representa el concepto de "arte público" de Noble y Webster, que en esta ocasión se basaron en los símbolos de la cultura pop, los rótulos de Las Vegas (Nevada) y de la neoyorquina Times Square, así como de algunas fuentes históricas colocadas en espacios públicos, como la fuente romana de Tritón.

Para Sue Webster este proyecto, de dos años de preparación y un millón de dólares de financiación, es una obra "mágica", porque "la fuente pone luz donde debería haber agua".

Además, el exponer su trabajo en Nueva York es "casi un sueño hecho realidad", y "un regalo para EE.UU.", dijo Webster.

"Cuando llegué a Nueva York hace veinte años y no era una artista conocida tuve que recoger comida de la calle, y esta cuidad me enseñó mucho", aseguró Webster.

La fuente se encenderá todos los días desde las 06.00 hora local hasta medianoche, en la plaza del Rockefeller Center (conocida por acoger el árbol de Navidad y la pista de patinaje más famosas del mundo), donde se calcula que será vista por 350.000 personas al día.

Los artistas, afincados en Inglaterra y con influencias del estilo "punk", son conocidos por utilizar diferentes materiales en su trabajo, como luces eléctricas y basura, y sus obras se han exhibido en Nueva York, Boston, Málaga y Londres.

Bellas Artes dedica una exposición a Antonio Suárez

El Bellas Artes dedica una exposición a Antonio Suárez y su arquitectura

«La obra de Antonio Suárez aplicada a la arquitectura en el Museo de Bellas Artes de Asturias» es la exposición que esta tarde, a las siete y media, se inaugurará en el Museo de Bellas Artes, en el palacio de Velarde (calle Santa Ana, n.º 1).

Los días 9 y 16 de marzo, el Bellas Artes ha organizado visitas guiadas a esta exposición, a partir de las doce y media de la mañana, y con una duración de 90 minutos.

exposición de pinturas de Agurtzane Sololuze

El grupo Haizea de Elgoibar ha presentado el programa de actividades previstas en la localidad con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer. Una exposición de pintura, una salida montañera y una sesión de cine-forum centrarán los actos de esa festividad.

El lunes 3 abrirá sus puertas la exposición de pinturas de Agurtzane Sololuze. Con el título 'Seina eta luze', la artista bilbaína presenta sus trabajos de pintura «realizados sobre tejidos, cortinas o sábanas con una gran muestra de sensibilidad». Esta exposición se podrá ver hasta el 16 de marzo en la casa de Cultura de lunes a sábado de 19 a 21 horas.

La segunda actividad de programa está organizada de forma conjunta con Morkaiko Mendizale Elkartea y se trata de una salida a Trebiño para el día 9.

La excursión partirá a las 9.30 y propone un recorrido entre las localidades de Saseta y Okina siguiendo el río Ayuda. Los organizadores estiman en tres horas la duración de la caminata. La jornada terminará con una comida en el monasterio de Estibaliz con visita guiada.

El precio es de 25 euros para socios de Morkaiko o Haizea y de 30 para no socios. Las plazas son limitadas a 50 personas y las inscripciones pueden realizarse en Pitxintxu o en los locales del Morkaiko.

Los actos del Día Internacional de la Mujer concluirán con una sesión de vídeo-forum el día 14 de marzo a las 22 horas en la casa de cultura.

Se proyectará la película 'Los líos de Gray' e intervendrá como introductora y moderadora del debate la psicóloga Eskar Larrinaga.

la obra de Richard Mayhew

PINTURA-EEUU: Artistas negros cotizan al alza
Por Lance Steagall
NUEVA YORK, feb (IPS) - Los paisajes son las imágenes que vienen a la mente al evocar la obra de Richard Mayhew. El expresionista nacido en Nueva York atribuye esto a sus raíces, en parte africanas y en parte estadounidenses.

"Es un doble compromiso con la naturaleza. La tierra es muy importante para ambas culturas en términos de estimulación y sensibilidad espiritual, y es muy importante para mí", dijo.

La obra de Mayhew fue exhibida en la anual Muestra Nacional de Bellas Artes Negras.

G.R. N'Namdi, la más antigua galería de arte abstracto a cargo de un negro en Estados Unidos, representa a los trabajos de Mayhew. En 2003, su cuadro "Santuario" se vendió en 6.000 dólares. Ahora se cotiza en 25.000 dólares.

Coleccionistas y comerciantes reunidos en la exposición de mediados de febrero en Nueva York hicieron notar los nuevos y elevados precios, aunque muchas obras de arte negro todavía se consiguen por sumas bajas.

De hecho, el mercado de arte negro estadounidense cambia rápidamente. Las obras son vendidas a precios más elevados, concitando más atención y convirtiéndose en una inversión para muchos. Mientras el mercado está en auge, quienes eligen invertir cosechan las ganancias, a menudo vendiendo los cuadros a un precio muy superior al de su compra.

"Es una función del arte afro-estadounidense que fue ignorada por mucho tiempo. Hablando de modo relativo, esa expresión ha sido extremadamente subvalorada", sostuvo Melissa Azzi, de la Galería Lusenhop, en Chicago.

A Azzi le gusta atribuir la falta de apreciación a las actitudes de los coleccionistas tradicionales de arte. "Las obras más contestatarias tendieron a ser ignoradas. Pero ahora las instituciones y los coleccionistas están un poco más cómodos mirando hacia atrás y tomando nota", señaló.

En particular, los movimientos de los años 60 y 70 que incluyeron comentarios políticos y sociales en su visión artística, como la Afri-Cobra, son vueltos a considerar.

Azzi citó como ejemplo el retrato realizado en 1972 por Wadsworth Jarrell de la activista socialista Angela Davis, titulado "Revolucionaria". En ese cuadro, Jarrell muestra a Davis en un momento de discurso apasionado, combinando eslóganes socialistas para dar forma a la escena.

"Lucha", "resistir", "tener que", "dado mi corazón" y otros mensajes textuales son irradiados desde el punto de fuga: la cabeza de Davis. Los brillantes colores empleados ayudan a ubicar a "Revolucionaria" en su marco cultural. La obra duplicó su precio el año pasado, pero, valuada en 2.000 dólares, todavía es barata.

Las actitudes cambiantes no son la única explicación para lo cambiante del mercado. Bill Hodges, propietario de la galería que lleva su nombre en Manhattan, atribuye esto a que "los estadounidenses negros son capaces de costear una inversión en arte".

Hodges colecciona arte afro-estadounidense desde hace más de 30 años. La mayor parte de ese tiempo, 90 por ciento de sus clientes fueron de origen no africano. Actualmente los números se revirtieron: alrededor de 95 por ciento de sus clientes son negros, dijo.

Y el nuevo interés no está relegado solamente al arte negro. El artista Tafa, nacido en Ghana pero radicado en el bario neoyorquino Harlem es un testigo directo de la evolución de las actitudes.

"Cada vez más gente aprecia el arte negro. Solía estar sub-representado, pero ahora concita la atención tanto en Estados Unidos como en Europa", afirmó.

A fines de enero, la firma londinense de remates Bonhams se convirtió en la primera no sudafricana en organizar una venta dedicada exclusivamente al arte de ese país.

El remate de arte facturó más de 2,8 millones de dólares. Las obras de Irma Stern "La recolectora de tomates" y "Retrato de una niña del Occidente africano" alcanzaron los precios más altos: unos 371.000 y 275.000 dólares respectivamente.

Ambos precios de venta se situaron casi 100.000 dólares por encima de sus valores estimados previo a la subasta. En 2006, Bonhams vendió un autorretrato del artista sudafricano Gerard Sekoto --pionero del arte negro urbano y del realismo social-- en más de 245.000 dólares, más de nueve veces su valor estimado.

En Estados Unidos, el Museo de Arte Moderno del Condado de Los Ángeles inauguró una exhibición dedicada exclusivamente al arte africano. La muestra, titulada "La tradición como innovación", comenzó en enero.

Mientras las exhibiciones típicas enfatizan la influencia que tuvo el arte africano sobre los pintores modernos que rompieron con la tradición, como el español Pablo Picasso, esta muestra presenta al arte africano en su propio contexto.

En la Muestra Nacional de Bellas Artes Negras, en Nueva York, Mark Small, propietario de las Galerías Golden, en el central estado estadounidense de Colorado, fue rápido en señalar la participación de los jóvenes en la escena.

"Todo el tiempo veo a miembros de las generaciones más jóvenes reconocer artistas afro-estadounidenses que, a través de la mayor parte de sus carreras, han sido ampliamente desconocidos. Es realmente genial ver eso", expresó.

Muchos de los artistas de más edad se formaron en la ciudad de Chicago. Allí, dos escuelas pioneras dieron a los artistas estadounidenses negros la oportunidad de estudiar cuando otros pocos lo hacían: la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y el Centro de Arte de la Comunidad del Lado Sur.

De este modo, la ciudad se convirtió en un centro, y muchos artistas significativos, entre ellos Wadsworth Jarrell, estudiaron allí durante por lo menos un año. Las obras que produjeron marcaron un punto de inflexión en la historia del arte negro.

Hoy, el creciente interés en las obras de artistas negros puede señalar otro. (FIN/2008)

pinturas parietales en Praileaitz

VITORIA.DV. El hallazgo, en agosto de 2006, de una serie de pinturas parietales en Praileaitz I cambió por completo la calificación y el rumbo de una cueva en la que el equipo dirigido por el arqueólogo Xabier Peñalver ya había realizado importantes hallazgos, como una espectacular colección de colgantes magdalenienses. Praileaitz I, que de no haber aparecido las pinturas que garantizaban a la cueva el máximo grado de protección habría terminado por desaparecer ante el avance de la cantera, se convirtió en la tercera cavidad guipuzcoana con arte rupestre, tras Ekain y Altxerri.
El primer informe pericial sobre las pinturas, una serie de puntos y líneas de color rojo que se vinculan al supuesto uso ritual de la cueva, fue realizado por el doctor en Prehistoria Marcos García Díez, que estableció la antigüedad de este conjunto de tipología hasta la fecha insólita en el País Vasco entre los 15.000 y los 20.000 años. Tras aquel primer informe que estableció las características básicas de las pinturas, no consta que se haya profundizado en el estudio de las mismas.
El segundo informe
Ayer, Miren Azkarate comunicó que su Departamento había encargado un estudio sobre los trazos de Praileaitz I a «un especialista en Prehistoria de ámbito internacional al margen de la polémica y, por lo tanto, sin prejuicios».
El autor del que por ahora es el segundo informe sobre las pinturas de Praileaitz es el arqueólogo británico Paul Pettitt, profesor de Arqueología Paleolítica en la Universidad de Sheffield, especializado, según su propia presentación, «en el Paleolítico Medio y Superior en Europa y la Edad de la Piedra intermedia en África», con intereses específicos en tecnología lítica y en arte parietal y mueble del Paleolítico Superior, período al que corresponden las pinturas de Praileaitz I. Pettitt formó además parte del equipo que descubrió en 2003 las dos únicas cuevas hasta ahora conocidas con arte rupestre del Reino Unido, situadas en Creswell Crags y afectadas también por la actividad de una cantera. A su análisis dedica, junto con Paul Bahn y el profesor de Prehistoria y Arqueología de la UNED Sergio Ripoll, uno de sus últimos trabajos -Paleolithic Cave Art at Creswell Crags in European Context- publicado en marzo de 2007 por la editorial Oxford University Press.
El doctor Pettitt, que visitó la cueva el lunes y martes de la semana pasada, no ha terminado todavía su informe, pero ya ha transmitido sus primeras impresiones a la Consejería de Cultura. «Le remitimos el informe de Marcos García -informó la consejera- y nos dijo que lo suscribía en el 90%». Pettitt, además, «avala la importancia de las pinturas de Praileaitz en el contexto del arte parietal no figurativo», y lo interpreta como una señal de «la voluntad humana de dejar sus huellas». Huellas, por cierto, que según las mediciones de Paul Pettitt corresponden a una mano derecha. Un aspecto que ha destacado el doctor Pettitt, coincidiendo con las valoraciones de Marcos García, es la extrema fragilidad de los soportes que eligió quien quiso dejar su huella en Praileaitz I: las banderas, un tipo de formación geológica de origen estalagmítico particularmente vulnerable.
Mínima actividad
Paul Pettitt se mostró, en palabras de Miren Azkarate, muy preocupado por el hecho de que los cambios en el régimen medioambiental de la cueva puedan afectar a las formaciones en las que se encuentran las pinturas y causar daños a las mismas. Para evitarlos o reducirlos al máximo, recomendó «controlar la carretera que discurre por encima de la cueva y las filtraciones de agua». Saber que la pista en cuestión ya está cerrada como consecuencia de la aplicación del decreto de protección y que se recuperará su cubierta vegetal original tranquilizó a Pettitt, siempre según Miren Azkarate.
Además de considerar que en las condiciones actuales «las pinturas están de momento a salvo de la actividad de la cantera», Pettitt opina que el principal enemigo de las mismas es el ser humano. Así, ha recomendado «reducir al mínimo el número de visitantes y restringir al máximo la actividad humana», incluyendo la de los arqueólogos, ya que «si se continúan las excavaciones en el vestíbulo y la primera sala, todo lo que sea ensanchar la cueva puede provocar corrientes de aire que perjudiquen a las pinturas». Una de las sugerencias de Pettitt, partidario de «divulgar en foros internacionales el hallazgo de Praileaitz para que lo conozca la comunidad científica», es que «se tenga en cuenta el impacto de las excavaciones a la hora de conceder permisos, valorando su interés científico frente al riesgo que comportan».

arquitecto francés Dominique Perrault

El arquitecto Perrault presenta hoy en León el proyecto del futuro Palacio de Congresos

Dominique Perrault. / MAURICIO PEÑA
S.C.A.

LEÓN.— Uno de los proyectos más esperados para la provincia leonesa da un paso adelante. El reputado arquitecto francés Dominique Perrault presenta hoy el proyecto definitivo del Palacio de Congresos y Recinto Ferial de León.
La cita tiene lugar a las 12.00 horas de esta mañana en el salón de actos del Centro Cívico León Oeste, en el barrio del Crucero, una de las zonas que más se beneficiarán por la transformación urbana que traerá la creación del nuevo Palacio de Congresos en el antiguo solar de la azucarera y el previsto soterramiento de las vías del tren.

Al acto acudirá la corporación municipal al completo, el propio arquitecto Dominique Perrault, el delegado del Gobierno en Castilla y León, Miguel Alejo y diversas autoridades del mundo empresarial leonés. Todos podrán observar una maqueta en tres dimensiones que muestra la construcción del futuro edificio vanguardista.

Después de la presentación, Perrault dará una conferencia sobre las explicaciones técnicas que empleará en el desarrollo del proyecto –como los materiales, enlace con el entorno o ideas que le inspiraron para el diseño definitivo– a la cual están invitados todos los arquitectos de España.

El francés Perrault fue el ganador de ideas propiciado por el Ayuntamiento de León en 2004 para que los mejores arquitectos plasmaran sus planteamientos sobre el futuro Palacio de Congresos. Por este trabajo, Perrault recibirá 5 millones de euros que se incluyen dentro de la inversión final de los 60 millones de euros que tendrá el recinto.

El calendario que se baraja para el inicio de las obras es julio del 2009 –tras el proyecto de ejecución y su licitación– y septiembre de 1011 es la fecha prevista para su finalización.

El diseño se compone de dos superficies diferenciadas, una aprovecha la estructura de la antigua fábrica que dispondrá de 8.500 metros cuadrados. Este espacio está recubierto por una gran estructura de vidrio que el propio autor ha bautizado bajo el nombre de 'La montaña de cristal'. La otra superficie será de cristal y usará el sol para generar energía eléctrica y térmica. Este innovador espacio incluye tres zonas de exposición dotadas cada una con 3.000 metros cuadrados. Además, se instalará otras dos zonas con capacidad para 800 espectadores cada una, una sala de exposiciones y otra de reunión, talleres y un vivero de empresas. Perrault convertirá el sector de la azucarera en todo un referente del León del siglo XXI con este proyecto vanguardista.

El Partido Popular del Ayuntamiento de León no se mantiene al margen de este Palacio de Congresos y Recinto Ferial. María José Alonso, concejala del PP, criticó la presentación de hoy del futuro edificio.

«El equipo de gobierno presenta la maqueta del proyecto porque no tienen más», detalla la edil. Asimismo, Alonso se cuestiona sobre «¿qué convenio de financiación ha firmado el alcalde y qué plazos va a tener este proyecto?».

Alonso acusó ayer al equipo de gobierno de cierto pasotismo con sus promesas, a las que ha calificado como «claramente electorales». «El alcalde siempre dice 'Voy a hacer, voy a hacer y no hago nada'», concluye la concejala popular.

mercado del arte en España

ARCO, vista por sus visitantes
28 de Febrero de 2008 - Jueves

ARTEINFORMADO continúa publicando las respuestas que siguen llegándonos de distintos profesionales del mundo artístico manifestando sus opiniones y propuestas sobre la reciente feria ARCO. Entre ellas, recogemos las de los directores de otras dos ferias madrileñas, Art Madrid y DeArte.



Responde: Gema Lazcano, directora de Art Madrid

Puntos fuertes: Es la feria de España por excelencia y todos debemos congratularnos con su éxito. Cuanto mejor vaya Arco, mejor estará el mercado del arte en España.

Puntos débiles: La distribución de stands fue caótica y no se justifica de ninguna manera la ausencia de determinadas galerías españolas de calidad indiscutible, que son cubiertas por la presencia de galerías extranjeras de muy dudosa calidad.

Propuestas: Por supuesto que deben concentrarse las ferias existentes en torno a la propuesta más antigua y grande, que es Arco. Por eso y para todos los que pretenden ignorar la existencia de la segunda feria de arte contemporáneo de España (tanto en número de visitantes como en número de expositores, y por supuesto en ventas), recuerdo que Art Madrid ya existe, y es una feria paralela y complementaria. Esta feria coincide con Arco, ha celebrado ya su tercera edición con 59 galerías españolas (sólo 8 menos que Arco) y 21 extranjeras, y es una realidad no un proyecto. Para 2009 seguiremos con una apuesta decidida por la calidad, seremos más selectivos con las propuestas de las galerías y crearemos un espacio diferenciado para galerías jóvenes y otro espacio diferenciado, que será escaparate del arte de ultimísima creación.




Responde: Miquel Tugores, director de la galeria Dionís Bennassar (Madrid) y de la feria DeArte

Puntos fuertes: No sabría destacarlos.

Puntos débiles: En esencia, la feria es igual a la de los últimos años. Incluso puedo añadir que las pocas galerías españolas seleccionadas resultan poco “brillantes”.

Propuestas: Que las aguas vuelvan a su cauce y que la mitad de las galerías participantes sean de España. La grandeza de Arco es el de ser la feria mas popular del mundo y que se desarrolla en una de las mejores ciudades para ser visitada. Para la feria que la dirección pretende sobran ciento cincuenta mil visitantes y faltan los recursos económicos y la tradición que España no tiene. Quizás empieza el principio del fin de ARCO y eso no es bueno para España ni para el ARTE.




Responde: Eva Salmerón, artista (miembro de mmmm...)

Puntos fuertes: Solo paseé un par de horas por allí. Lo vi muy parecido a otros años. Me llamó la atención que hubiera un ciclo de performances pero no pude asistir a ninguna de ellas. Me sorprendieron los techos de los nuevos pabellones... Me parecen interesantes algunos de los parásitos que se desarrollan paralelos a Arco, de forma independiente. Asistí a una cena bastante curiosa con gente variopinta relacionada con la feria ...

Puntos débiles: Como siempre: mucha morralla.

Propuestas: Una feria es una feria, como su propio nombre indica. Supongo que es difícil, si se es una feria, ser otra cosa.




Responde: Laura Romero, artista.

Puntos fuertes: Los puntos fuertes fueron la fotografía digital, como la del artista ruso DOU, o las de Vanessa Beecroft, en la galería italiana "rumma". A Brasil lo encontré sorprendente. Un ejemplo, Laura Erber, en la galería novembro arte. Las galerías españolas, fenomenal en su mayoría.

Puntos débiles: Lo peor, muchas obras que rozan el mal gusto y la provocación. En muchos de los casos no lo considero necesario. Es el recurso fácil. Hay muchas otras formas de llamar la atención.

Propuestas: Era la primera vez q iba en sábado y había demasiada gente. Imposible caminar. Propongo que se amplíe el plazo.



Responde: Antoni Macià, economista y artista, presidente de la Fundación Elf Genius.

Puntos fuertes: Una sensible mejoria en la distribución i logística de espacios.

Puntos débiles: Repetición de muchos artistas, incluso de obras, que provoca un cierto aburrimiento; falta de originalidad y de nuevas propuestas y/o creaciones novedosas e imaginativas.

Propuestas: Olvidarse de la polémica de las galerias españolas. Se debe plantear una visión más amplia y abierta y pensar sólo en beneficio del arte, su divulgación y el prestigio de una feria española.




Responde: Angel Haro, artista.

Puntos fuertes: El espacio y la comunicación. Porque han creado un efecto social superior al de otros años. Como acontecimiento sigue siendo lo más.

Puntos débiles: El exceso de público que nada tiene que ver con el sector. Y los stands institucionales y de medios (País, ABC, Comunidades Autónomas, Fundaciones, etc...) y la expulsión de las galerías españolas en beneficio de una supuesta internacionalización. La presentación en Londres en la "casa" de Foster que tuvo un tufo bastante cateto. ¿Quien es Foster para dar el visto bueno a ARCO?

Propuestas: Si es verdad que hay problemas de espacio, no se deberían admitir stands que no fueran galerías. Las fundaciones, instituciones públicas o privadas y los grandes periódicos no tienen por que ocupar un lugar en una feria de mercado que se precie. Es un anacronismo que pudo funcionar en un principio pero que ahora no tiene sentido. También creo, como dice Eduardo Arroyo, que las galerías deberían desertar de una feria que no les quiere, pero que ofrece a otras extranjeras su asistencia a gastos pagados. (España lo arregla todo a golpe de subvención). A lo mejor habría que apoyar mas a ART MADRID y consolidarla como una buena feria de arte Español.

Xavier Mascaró

Xavier Mascaró exhibe hasta el 4 de mayo sus esculturas de hierro en la abadía de Silos
La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía, reinterpreta algunos símbolos religiosos

28.02.08 - C. BARRIGÓS
El artista Xavier Mascaró, junto a una de las once esculturas. / PACO SANTAMARÍA-EFELas esculturas en hierro de Xavier Mascaró encajaron ayer su espiritualidad abstracta en la abadía de Santo Domingo de Silos, donde estarán expuestas hasta el 4 de mayo, en un diálogo que reinterpreta y moderniza los símbolos de la tradición religiosa del siglo X.

Once esculturas de hierro, combinado con piedra, cristal y bronce, y cuatro dibujos, componen la muestra, la número 23 de las que organiza desde el año 2000 el Museo Reina Sofía en colaboración con la Abadía y la Cámara de Comercio e Industria de Burgos en esa localidad y que fue inaugurada ayer por sus responsables.

«Lo que se establece es un diálogo entre otro tiempo y el actual, de este siglo con el X, jugando con las referencias religiosas, y colocando las esculturas tal y como se ponían los elementos litúrgicos en estos espacios», resumió el artista, nacido en París en 1965 y que vive en la actualidad a caballo entre Nueva York y Madrid.

«Quería que los materiales, escalas y colocación tuvieran un significado espiritual, abstracto pero espiritual», ha indicado Mascaró, que destaca de entre todas las piezas que se exhiben en el subterráneo del claustro de la Abadía la titulada 'Departure', el esqueleto en hierro de una barca con velas de tela envejecida.

Si esa nave abre la exposición en la otra 'nave' religiosa, al fondo de la cueva Mascaró ha colocado, «con toda la intención», tres obras en una disposición similar a la que tendría un altar en una abadía para resaltar su afán espiritual.

El abad, Dom Clemente Serna, recién llegado de Roma para asistir a la inauguración, ha reconocido durante la inauguración que es una exposición «que realmente impresiona» y ha expresado su deseo de que, tras contemplarla, el público «quede más enriquecido» de como llegó.

Tiempo y espacio

El director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha apuntado sobre la Abadía que en ella se juntan «dos cosas muy interesantes» para un museo de arte moderno: «un tiempo y un espacio específicos».

«En los museos estamos acostumbrados al aislamiento de la obra de arte apartada del mundo. El Reina Sofía es un museo nacional que tienen que ir más allá de lo que son sus propios edificios y este es un lugar tan bello y cargado de historia que no solo se puede perder la oportunidad de hacer estas exposiciones sino que hay que alentarla», subrayó.

desarrollo urbanístico

Constructores y arquitectos piden participar en el desarrollo urbanístico del plan de vías
Pastor anima a los constructores a «unirse para competir» en el concurso de la obra y Noriega reclama «la concurrencia» de técnicos regionales frente a figuras mediáticas «Las torres estarán integradas; no son comparables a las de Oviedo», dice Felgueroso

MARCOS MORO
MAQUETA. Sanjurjo señala a la alcaldesa un detalle de la representación a escala del proyecto. / CITOULAConstructores y arquitectos asturianos piden participar en igualdad de oportunidades en el desarrollo urbanístico del espacio liberado por el soterramiento de la barrera ferroviaria entre Moreda y el Humedal. Así lo pusieron ayer de manifiesto, cada uno por su lado, el presidente de los promotores gijoneses, Manuel Pastor, y el decano del Colegio de Arquitectos, Ángel Noriega. Ambos estuvieron entre los invitados a la inauguración de la exposición de Gijón al Norte sobre el plan de vías que permanecerá abierta al público en el Centro de Cultura Antiguo Instituto (CCAI) hasta el 3 de abril.

Pastor explicó que en relación con este proyecto las expectativas del sector constructor local y regional pasan por la búsqueda de «una fórmula de asociación entre empresas asturianas que nos permita competir y tener más fuerza» en el concurso público que Gijón al Norte convocará en toda España para la adjudicación de los lotes de suelo. El dirigente de la patronal gijonesa aclaró que Asprocon no participará directamente como asociación en esas uniones temporales de empresas (UTES), pero en cambio sí «animará» a los constructores regionales a agruparse para contrarrestar el poderío de las grandes firmas nacionales. Pastor remarcó que por separado no habría ninguna opción de competir, ya que el proceso de adjudicación de los terrenos ferroviarios enajenados de forma unitaria «dificulta el acceso de las empresas pequeñas».

A pesar de que Gijón al Norte ha calculado unos valores medios de venta para la vivienda libre entre 2.800 y 4.700 euros el metro cuadrados, Pastor se reafirmó en su convicción de que finalmente los pisos construidos en el suelo libre de vías «superarán sin duda los 6.000 euros el metro». Lo justificó en la propia necesidad de ingresos por la venta de suelo para financiar la magna operación ferroviaria y urbanística.

El presidente de los promotores gijoneses tuvo asimismo palabras de elogio para el proyecto que creará un nuevo barrio y transformará la entrada a Gijón. Se refirió a él como «el más importante de los últimos años» y ensalzó la solución propuesta para comunicar dos partes de la ciudad que estaban divididas y hacerlo además de una forma moderna y muy esponjada, huyendo de los abigarramientos del entorno».

Por su parte, el decano de los arquitectos asturianos hizo una reflexión similar, pero aplicada a su colectivo profesional. Ángel Noriega expuso que la unidad proyectual y de imagen estética de toda la actuación urbanística que defiende el plan de vías, con la que está de acuerdo, no debe suponer ninguna traba. Ningún inconveniente, subrayó, para que todos los arquitectos, y en especial los de la región, «tengan oportunidad de concurrencia» en el proceso de adjudicación de los proyectos de las diferentes unidades de que consta.

No obstante, Noriega reconoció que será difícil dar con la fórmula para que los promotores que adquieran el suelo asuman «posiciones realistas» y no sucumban a la tentación de contratar a figuras mediáticas de 'star system' internacional para buscar valor añadido a sus edificios en detrimento de los técnicos asturianos.

«A partir del momento en que las parcelas se enajenen y pasen a manos privadas el control empezará a ser complicado y todo dependerá en la práctica de la voluntad de cada constructor», afirmó. Por ese motivo el decano del Colegio de Arquitectos de Asturias animó a aprender de la experiencia acumulada en otras ciudades y a reflexionar sobre la conveniencia de encomendar el trabajo arquitectónico a estudios de renombre mundial con decenas de proyectos repartidos por todo el planeta.

Inseguridad empresarial

«Hay errores suficientes y cercanos en el tiempo para que todos hayan aprendido algo», señaló Noriega, para quien en su opinión el mundo empresarial «no puede por inseguridad asumir» dejar en manos lejanas aunque mediáticas «proyectos complejos como éste que se sabe cómo empiezan, pero no cómo acaban».

En lo que respecta al colegio que encabeza, Ángel Noriega incidió en la necesidad de transmitir la máxima información sobre el proyecto a su colectivo profesional, con el fin de que los arquitectos asturianos puedan presentarse a posibles convocatorias de concursos en el futuro. En cuanto a la versión definitiva del plan de vías expuesta ayer en maqueta y paneles informativos en el Antiguo Instituto, destacó que «se mantienen las líneas fundamentales» que hicieron al proyecto ganar el concurso internacional de ideas. Eso, apuntó, con la salvedad de un reajuste en el ámbito de actuación y la rebaja de altura de las torres, que a su juicio «pierden esbeltez como parte del juego democrático de la participación ciudadana, aunque en la exposición queda claro que al equipo redactor le gustaba más su planteamiento inicial».

Por su parte, la alcaldesa de Gijón defendió que las cinco torres proyectadas por Jerónimo Junquera y el hotel de Zaera -con alturas que oscilarán entre las 27 y las 19 plantas- estarán «bien integradas» en la zona libre de vías. «No son comparables con las 'trillizas' de Calatrava en Oviedo», aseguró, «porque en Gijón no hay catedral ni Prerrománico cerca, sino un espacio muy abierto con edificios modernos en Poniente y otros viejos enfrente, en Sanz Crespo».

La regidora aseguró que el plan de vías aprobado de forma inicial, con los ajustes de altura en las torres, «está muy medido, muy integrado y ofrece una gran permeabilidad con importantes espacios públicos para el disfrute de los ciudadanos».

Felgueroso también destacó que el diseño urbano de Junquera contribuirá a generar nueva centralidad en Gijón y dignificará la entrada a la ciudad por Sanz Crespo. «La arquitectura de los edificios será racional y bonita estéticamente», garantizó. Sobre el diseño de la estación intermodal de Moreda aseguró que los vecinos ganarán espacio con su cubierta transitable y remarcó que la decisión de hacerla semisoterrada «está tomada» e iba en el contrato electoral con el que revalidó la Alcaldía.

Edificio funcional y de moderna arquitectura

El Vivero de Empresas de la Cámara en Plasencia fue definido por el arquitecto Félix Garrido Morán -autor del proyecto, junto con Luis García Gil- como un edificio moderno y funcional. Y así resulta una vez hecho.

En el proyecto técnico los arquitectos redactores han recogido los anhelos y necesidades de la Cámara para crear un edificio funcional y que dé una imagen de modernidad de la institución así como de la nueva arquitectura que se hace en la ciudad.

De formas muy sencillas, alterna el cristal con revestimientos de materiales de última generación, e incluye la dotación de nuevas tecnologías al servicio del usuario. Además, dada su configuración y orientación, está concebido para aprovechar la luz solar y ahorrar el máximo de energía y en mantenimiento.

El edificio cuenta con dos alturas y un sótano abierto, que acoge el garaje y resulta una planta más por detrás al aprovecharse la diferencia de cota con la rasante de Dolores Ibárruri.

Plantas

En la planta baja se sitúan los servicios generales de la Cámara: recepción, salas de juntas, de formación, de informática con 15 ordenadores, sistema de video proyección, despachos y servicios.

En la segunda planta se sitúan los 15 despachos totalmente equipados con mesa de trabajo, de reunión y ordenador con conexión web, que son durante un año -prorrogable a otro más- la sede de las nuevas empresas. Esta planta tiene acceso independiente de la baja, par a permitir trabajo 'full time' a los emprendedores.

Las empresas del Vivero tienen supervisión y apoyo de los departamentos de la Cámara que asesoran en todo lo relativo a puesta en marcha desde su constitución a la información sobre subvenciones, formación y asesoramiento a la gestión empresarial.

miércoles, 27 de febrero de 2008

ingresa en el Bellas Artes



La obra de Antonio Suárez aplicada a la arquitectura ingresa en el Bellas Artes
El museo ya alberga en sus colecciones seis bocetos para altar de capilla y ahora mostrará un gran mural de 800 kilos

27.02.08 - PACHÉ MERAYO

MURAL. Fresco de 800 kilos recién restaurado, donado por la familia García Morán. / E. C.En abril, como adelantaba hace unas semanas EL COMERCIO, Antonio Suárez volverá a las paredes de la galería Cornión con una exposición que pretende rendir homenaje a su amigo y compañero de primeras andaduras pictóricas, Joaquín Rubio Camín, pero antes tendrá otra cita en Oviedo. El Museo de Bellas Artes de Asturias, que le tiene bien presente en sus colecciones con 17 obras, entre óleos, acuarelas, dibujos y una colección de bocetos, que dan cuenta de parte de su trayectoria pictórica, le abre las puertas nuevamente con una muestra que se inaugura al público mañana y permanecerá en la pinacoteca hasta el 13 de abril.

Su título será 'La obra de Antonio Suárez aplicada a la arquitectura' y ese es su argumento principal. Entre las piezas a exponer estarán seis bocetos para altar, donados por el Hospital Central de Asturias. Se trata de los trabajos preliminares de las vidrieras y los pirograbados de su antigua capilla. El propio Antonio Suárez legó un boceto de un importante mural, al que se unen los dos depositados en el museo por Margarita Vallaure, que corresponden a los tapices perdidos de la antigua cafetería Kopa Club, de Oviedo.

Pero lo más destacado del conjunto a exponer del pintor asturiano, que vuelve a ponerse ante la mirada pública gracias también a la donación del Banco Herrero y de la familia García Morán, es un mural de 800 kilos de peso, realizado entrada la segunda mitad del siglo XX, como respuesta a un reto lanzado al pintor por Ignacio Castelano, arquitecto y amigo de Antonio Suárez. Fue precisamente la familia García Morán la que hizo posible que este fresco acabara ingresado en las colecciones de la pinacoteca asturiana, algo que se produjo en octubre del año pasado.

La exposición 'La obra de Antonio Suárez aplicada a la arquitectura' será ilustrada con una conferencia de la historiadora de Arte Ana Gago. Titulada 'Antonio Suárez, muralista', que tendrá lugar el 12 de marzo (19.30 horas), en el salón de actos del Museo.

Cabe recordar que Antonio Suárez, destacado creador que estuvo en los inicios del revolucionario grupo El Paso, fue a partir de 1955 y durante casi dos décadas «uno de los artistas españoles más interesantes entre los que emplearon las técnicas artísticas aplicadas a la arquitectura» y que lo hizo, según la conservadora del museo Carolina Peláez Soto, «en un momento particularmente significativo en la búsqueda de la integración de las artes».

arquitectura sostenible con madera

Jornada del Cemer sobre arquitectura sostenible con madera

27/02/2008 JUAN A. FERNANDEZ

El Consorcio Escuela de la Madera de la Junta en Encinas Reales (Cemer) ha organizado para el 6 de marzo una jornada sobre la arquitectura sostenible con madera. La gerente, María Teresa Arias, ha informado que con este motivo se celebrará una conferencia en la feria Mobiliaria, que se celebrará la semana próxima en Sevilla. Esta jornada llevará por título La madera, el material idóneo para una arquitectura sostenible y en ella tomarán parte arquitectos, técnicos y especialistas en el diseño de la madera para debatir sobre las posibilidades de este material dentro del concepto de la arquitectura más respetuosa con el medio ambiente.

La jornada está organizada por el Cemer y la empresa del sector de la madera Ilva Polimeri y se celebrará en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla (Fibes), contando con varias ponencias y conferencias sobre el tema.

Cubismo, arquitectura y música se unen en Bellas Artes

Diario de Cádiz Ocio y Cultura Cubismo, arquitectura y música se unen en Bellas Artes
Cubismo, arquitectura y música se unen en Bellas Artes

Cádiz, Málaga, Granada y Sevilla celebran el centenario de este movimiento

M.C. Escámez / Cádiz | Actualizado 27.02.2008 - 05:00

Francisco Peñalosa durante su ponencia en la tarde de ayer.
El Instituto de Academias de Andalucía y las Reales Academias de Bellas Artes de Cádiz, Granada, Málaga y Sevilla vienen celebrando desde hace un año sesiones conjuntas centradas en las distintas especialidades con el objetivo de aunar intereses, trabajo y conocimientos a lo largo y ancho de nuestra Comunidad.

Así, ayer se celebró en la sede de la Real Academia de Bellas Artes de la capital gaditana, la segunda conferencia -la primera se llevó a cabo en Málaga el pasado 21 de febrero- con motivo del centenario del Cubismo y el inicio del Arte Contemporáneo.

Dos fueron los catedráticos que en esta ocasión dieron forma a los temas; Arquitectura y cubismo, de la mano del arquitecto malagueño Francisco Peñalosa Izuzquiza de la Escuela de Arte San Telmo, y Cubismo y Música: descuadres que desarrolló, por su parte, el compositor y director del Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada, Francisco González Pastor.

Peñalosa se centró durante su intervención en el análisis, semejanzas y distancias existentes entre la arquitectura y el estilo pictórico de Picasso, quien en 1907 con su famoso cuadro Las señoritas de Avignon se establece como "el punto fundacional del Cubismo", según afirmó Peñalosa.

Las artes se ven influidas por el contexto sociocultural del momento y se relacionan entre sí. Por ello la evolución del Cubismo analítico de la primera etapa hacia el Cubismo sintético posterior se ve en ocasiones reflejada en obras arquitectónicas, en la deconstrucción y en los movimientos minimalistas del siglo XX.

El músico Francisco González hizo un recorrido a través de las ocasionales conexiones y los múltiples descuadres que se produjeron entre dos artes bien diferenciadas en el período cubista, como son la pintura y la música. En este sentido, la pintura de Picasso y la de otros artistas del movimiento "utilizan la música por su forma y no por su sonoridad", destacó González. Guitarras, violines y flautistas protagonizan cuadros como Viejo con guitarra o La alegría de vivir. "Picasso sólo introduce instrumentos musicales en cuadros alegres", señaló.

La próxima conferencia de este programa se celebrará el 5 de marzo en la Real Academia de Bellas Artes de Granada.

Pintura repleta de luminosidad

Pintura repleta de luminosidad nacida junto al mar de Málaga

27/02/2008 J. G. H.

Los artistas que conocen la producción de Manolo Fuertes subrayan que su pintura "ha crecido junto al mar de Málaga". Así lo ve el poeta Pablo García Baena, que recuerda en el catálogo editado a raíz de la exposición que "la casa donde vive el pintor tiene un pequeño jardín con los dones del Mediterráneo: olivo y sabiduría de Palas, naranjas y fuego de Heracles, adelfa rojas y amarga de Eros".

Ginés Liébana dijo de él en el año 1993 que "haciendo honor a los que buscan todavía la luz, Manolo Fuertes tiene un consenso con ella. La pinta sin avisarle. La pinta apenas, para que ella no se entere ". La recordada poeta Gloria Fuertes escribió: "Sus cuadros tienen luz por fuera, Manolo Fuertes tiene luz por dentro. Manolo Fuertes tiene siempre una sonrisa su sonrisa, está hecha con amor como sus cuadros".

San Romualdo

Historia, pintura y literatura centrarán las actividades de San Romualdo para este año
La Guerra de la Independencia, la muerte de Juan Ramón Jiménez y el Mayo del 68 serán los ejes

Delegación / San Fernando | Actualizado 26.02.2008 - 01:00

La Real Academia de San Romualdo conmemorará a lo largo de este año un triple aniversario: los 200 años de la Guerra de la Independencia, los 50 de la muerte de Juan Ramón Jiménez y los 40 del Mayo del 68 francés. Para ello contará con conferencias y actividades así como con primeras figuras relacionadas con cada uno de los eventos históricos o con la figura literaria.

El próximo acto organizado, no obstante, tiene relación con la música y es un concierto de Cuaresma a cargo del coro de capilla San Pedro Nolasco, de Jerez, el día 11 de marzo en la capilla del convento de las Hermanas Capuchinas.

Pero a partir del 6 de mayo, en que está prevista una conferencia de Luis Martínez Montiel y Ángel Torres Aleu sobre la pintura relacionada con la Guerra de la Independencia, no se inaugurará el programa de actividades conmemorativas. También en dicho mes de mayo, aunque la fecha aún está por determinar, la Academia contará con la presencia de la jefa del área de pintura del siglo XVIII y Goya en el Museo del Prado, Manuela Mena.

El acto de afirmación poética que se desarrollará el 3 de junio, por otra parte, estará dedicado a Juan Ramón Jiménez y para estos días se espera también que ofrezca una charla el fundador de su Fundación, Juan Cobos Wilkins.

Como novedad, el acto en el que se dará a conocer el fallo de la 34 edición del premio Puente Zuazo irá acompañado el día 17 de junio de un concierto de clausura del curso a cargo del trío Consonanza. Otras citas para las que ya se han fijado fechas son la conferencia del arzobispo de Sevilla, monseñor Carlos Amigo Vallejo, el 15 de abril, así como el discurso de ingreso a la Academia de José María Cano Valero, el 22 del mismo mes.

Certamen de Pintura

Certamen de Pintura organizado por Deusto Bizirik (Bilbao)'Domingo de Ramos, domingo de remos'
26/02/08
Tema: 'La Regata Ingenieros - Deusto será el motivo del Certamen de Pintura organizado por DEUSTO BIZIRIK, agrupación comercial que se ha sumado, este año 2008, al nutrido elenco de entidades que contribuyen a la promoción y difusión de este singular desafío deportivo, entre la Escuela Técnica Superior de Ingeniería de Bilbao y la Universidad de Deusto, que ha devenido en símbolo de Bilbao y de la regeneración de su Ría.

En el histórico CAFE IRUÑA, donde se encuentra permanentemente expuesta la Bandeja de Plata de la Regata, y en presencia de Miguel Uriarte “Buso” gerente del PRIDE (Club Promotor de la Regata Ingenieros - Deusto) y Marino Montero, su director de comunicación, la presidenta de DEUSTO BIZIRIK, Julia Diéguez firmó el convenio de colaboración por el que esta agrupación comercial se compromete a organizar un Certamen de Pintura al Aire Libre con el que contribuir a dejar constancia gráfica del admirable ambiente que se registra en el entorno del Puente de Deusto para presenciar la apertura del mismo al paso de la Regata Ingenieros - Deusto, en el único día del año, el ya clásico “Domingo de Ramos, domingo de remos” (que este año de 2008 corresponde al 16 de marzo) en que ahora se abre este puente levadizo, para la admiración de nuestros visitantes y de los propios bilbainos.

La inscripción en el Certamen de Pintura, y sellado de los lienzos o laminas correspondientes, tendrá lugar de 10:00 a 11:00 de la mañana del dicho “Domingo de Ramos, domingo de remos” -16 de marzo de 2008- en una carpa instalada en el Parque de Botica Vieja, donde se habrán de entregar las obras terminadas para las dos de la tarde. La técnica será libre. Y los participantes podrán optar a un premio por categoría, consistentes en trofeo y vales de compra por valor de 50€ para los de 5 a 8 años, otros 50€ para los de 9 a 13, 75€ para los de 14 a 17, y 300€ para los mayores de 18 años

literatura infantil

MADRID.-Una exposición itinerante acercará 400 obras destacadas en literatura infantil durante 2007 a los lectores más pequeños
Europa Press - martes, 26 de febrero, 15.11ALCALÁ DE HENARES, 26 (EUROPA PRESS) - Una exposición itinerante, la 'XXIII Muestra del Libro Infantil y Juvenil', recorrerá las bibliotecas y los centros de lectura de 101 municipios madrileños para acercar a los pequeños lectores los libros más destacados en diversos géneros editados durante 2007.

La muestra, que fue presentada hoy en Alcalá de Henares por la viceconsejera de Cultura y Turismo, Concha Guerra, cuenta este año con tres colecciones idénticas, compuestas por 405 obras de 79 editoriales entre álbumes ilustrados, cómics, libros informativos, libros-juego y los de los géneros clásicos de narrativa, poesía y teatro.

Además, los títulos expuestos se agrupan en cinco apartados diferentes, teniendo en cuenta las edades a las que van destinados: libros para los prelectores, para público a partir de 6 años, a partir de 9 años, desde 12 años y para el público juvenil.

Si bien la XXIII Muestra del Libro Infantil y Juvenil ha seleccionado más de 400 títulos de los publicados durante 2007, esto es sólo una muestra de lo más destacado de los cerca de 10.000 que según datos del Ministerio de Cultura se editaron en España durante 2007.

La selección pretende hacer nuevos lectores y mantener a los que ya lo son. Para ello se ha ampliado el campo de la selección a libros que quizá son menos ambiciosos, literariamente hablando, pero que dan cabida a públicos poco iniciados para que comiencen a tener hábito de lectura.

Las tres colecciones recorren de forma simultanea 101 municipios de la región a través de tres itinerarios diferentes: 28 de la zona Este, 41 de la zona Norte y 32 en el Oeste de la demarcación territorial madrileña.

Para que los padres puedan saber qué están leyendo sus hijos, la Consejería de Cultura y Turismo ha editado un catálogo de los libros expuestos en forma de guía bibliográfica, enriquecido con comentarios sobre las obras que facilitan una aproximación al contenido y características físicas del documento. Las reseñas de los títulos que componen la exposición tienen como función, no sólo ofrecer una breve síntesis de la obra, sino también señalar sus puntos fuertes y, a veces, sus debilidades con el fin de ofrecer argumentos en la valoración de las obras.

Además, en los municipios que tengan menos de 20.000 habitantes, la Consejería organizará actividades de promoción de la lectura durante los días que cada municipio acoja la muestra.

ILUSTRACIONES Y FANTASÍA

Con respecto al tipo de publicaciones, el panorama de la edición infantil y juvenil durante el año 2007 no ha experimentado grandes cambios con respecto a años anteriores, aunque destaca la presencia del álbum ilustrado como soporte por excelencia donde los editores se atreven con historias complejas, no dirigidas exclusivamente a primeros lectores, y con ilustraciones muy novedosas para interesar también a los jóvenes y a los adultos.

La ilustración, que ha reaparecido con fuerza en anuncios publicitarios tanto en medios escritos como audiovisuales, se ha incorporado al campo de los textos dirigidos a jóvenes y cobra importancia como lenguaje narrativo y no mero acompañamiento de los textos.

La literatura fantástica, a su vez, no ha sido una moda pasajera y reafirma su presencia en los libros para la franja de edad de 9 años en adelante, donde la influencia de los medios audiovisuales (series de televisión y videojuegos) se deja notar en los temas y en los modos de narrar.

Asimismo, destacan las reediciones de obras clásicas y la aparición de traducciones de títulos de autores desconocidos de los años 50, que descubren los precedentes de muchas de las obras de fantasía de los últimos años.

Por otra parte, las biografías de personajes famosos (científicos, escritores y políticos) se han multiplicado. Este año se han volcado en Darwin y en el Año de la Ciencia 2007.

Juan Goytisolo,

"En la literatura se confunde actualidad con modernidad"
MIGUEL ÁNGEL VILLENA - Madrid - 27/02/2008

En una ocasión, un turista español medio perdido por Marraquech se acercó a Juan Goytisolo, creyó reconocerlo y le preguntó por la dirección de una calle. El escritor afincado en Marruecos reaccionó con rapidez y dijo: "Sí, soy fulano", y dio el nombre de un famoso y muy vendido autor español. Acto seguido, Goytisolo orientó al despistado viajero, que se marchó muy convencido de la inventada identidad de su interlocutor. Utiliza esta anécdota Goytisolo para resaltar que le gustaría ser invisible en un mundillo literario donde "se confunde la actualidad con la modernidad o el talento con la visibilidad". Para el autor de En los reinos de taifas, "las editoriales sólo aspiran ahora a publicar campeones de ventas y no distinguen entre un producto editorial y un texto literario".

"Siempre pretendí escribir novelas con preguntas y no con respuestas"
Nacido en Barcelona en 1931, exiliado en París a partir de 1956, residente en Marraquech desde hace muchos años, Goytisolo se ha convertido en una de las voces más singulares e independientes del panorama narrativo español. Mientras no deja de viajar y de colaborar en periódicos y revistas, el escritor está concentrado en los últimos tiempos en sus obras completas que publica Galaxia Gutenberg-Círculo de Lectores. Ayer presentó en Madrid los volúmenes cuarto y quinto, que incluyen autobiografía y viajes al mundo islámico, así como las últimas novelas.

"A partir de la edición de estas obras", comenta, "con la inestimable colaboración del editor Antoni Munné, he podido contemplar con frialdad y objetividad textos escritos hace tiempo. De este modo, en novelas como Don Julián no he tocado apenas nada y, en cambio, en Carajicomedia he cortado muchos pasajes. Esta edición me ha permitido ver aquello que no funciona con el paso de los años". Goytisolo subraya que ha intentado plasmar una propuesta literaria diferente con cada novela, al margen del tema. "El tema en mi narrativa", señala, "sólo representa un ingrediente más dentro del conjunto creativo. Nunca he sido un escritor especialmente preocupado por los temas. Sea como sea, asumo plenamente todo lo que he publicado desde Señas de identidad y mi intención siempre ha sido escribir novelas con preguntas y no con respuestas porque las respuestas ya las da todo el mundo. Hay que interrogarse, sin caer en la corrección política, sobre lo público y lo privado".

Está convencido Goytisolo de que se puede ser un magnífico escritor y un canalla despreciable de la misma manera que se puede ser una bellísima persona y un mediocre autor. "Casos como los de Quevedo o Céline demuestran que puedes ser misógino y racista, como el primero, o antisemita y pronazi, como el segundo, y crear una formidable obra literaria". De cualquier modo, Goytisolo ha centrado su compromiso ético en favor de los débiles en el ensayo y en el periodismo. "Ahora bien, en las novelas sólo me han interesado los elementos literarios", añade.

Ferias y Bienales

Encuesta ARTEINFORMADO: ARCO debe tener más ferias a su alrededor
27 de Febrero de 2008 - Miércoles

Una nueva encuesta de ARTEINFORMADO busca sondear la opinión que los profesionales del sector tienen, pasados unos días de su celebración, sobre la reciente feria ARCO, que este año ha generado, si cabe, más polémica que otros. En las respuestas de nuestros lectores se ponen en evidencia aciertos (las propuestas de Arco40, la presentación en Londres, la selección del país invitado, ...) y errores (la distribución de espacios del pabellón 14.1, ausencia de galerías importantes españolas frente a repetición de galerías internacionales prescindibles) y propuestas (ARCO debe tener más ferias a su alrededor). Estas son las primeras opiniones que nos llegan.

Responde: Gilfer, artista.

Puntos fuertes: Lo mejor ha sido el pabellón 14.1, en cuanto a contenido e interés de las propuestas. Destaco el programa de Performance y algunos stands institucionales: Ministerio de Cultura, Región de Murcia, Fundación Telefónica y La Casa Encendida, con su programa de Becas, ... También creo que el programa Arco 40 ha sido muy bueno con propuestas de calidad.

Puntos débiles: Lo peor, precisamente, la distribución de espacios del pabellón 14.1. Todo demasiado apretado y la pésima organización del programa Expanded Box.

Propuestas: Conceder más espacio para todas las propuestas del pabellón 14.1. En los pabellones 12 y 14 aún podían sobrar algunas galerías, con discursos ya demasiado vistos y de poco interés artístico.

Responde: Agustín Medina, presidente de la Fundación DEARTE Contempóraneo.

Puntos fuertes: Como la gran feria consolidada de arte que es ARCO, creo que sus puntos fuertes, una vez más, han sido la gran repercusión mediática y la masiva afluencia de público, tanto profesional como particular, destacando el especial acierto de su presentación internacional en Londres de la mano de Norman Foster. También hay que destacar su ubicación en los nuevos pabellones de Ifema, que refuerzan su identidad y su poderío. En cuanto al arte exhibido creo que sus propuestas en general han estado a la altura de lo que se espera en una feria de este tipo, destacando para mí la alta calidad de algunas galerías internacionales, fuera de las que constituían el núcleo duro (españolas y brasileñas) de la feria.

Puntos débiles: La ubicación de algunos espacios en la segunda planta de uno de los pabellones, que han pasado desapercibidos para la mayoría de los visitantes debido a una deficiente señalización de la planta.

Propuestas: Creo que la polémica sobre la limitación de las galerías españolas está empezando a resultar patética. ARCO es una feria internacional que vende la imagen de España en todo el mundo y pienso que la calidad del arte exhibido debe ser el único objetivo de sus organizadores. En ninguna feria importante del mundo, ni los coleccionistas, ni los visitantes se preocupan de que las galerías presentes sean o no del país donde se celebra la feria. Lo único que importa es la potencia creativa que allí se exhibe. Ya va siendo hora de que los galeristas españoles dejen de pensar en ARCO como una bicoca donde conseguir compradores institucionales cautivos y se preocupen por mejorar su nivel, independientemente de su presencia o no en ARCO.

En España hacen falta muchas otras ferias que cubran los huecos de mercado que deja ARCO. Como ESTAMPA, por ejemplo, donde la gente de a pié puede iniciarse en el mundo del arte a través de la obra gráfica, o como nuestra Feria DEARTE, donde tratamos de cubrir el espectro del arte contemporáneo español, artistas y galerías españoles con obra original, un paso más allá de ESTAMPA, y asequible tanto intelectual como económicamente, para incentivar el coleccionismo de las clases medias.

Todas estas ferias que completan el panorama artístico de nuestro país, pueden y deben convivir con ARCO, coincidir con ella en las mismas fechas y hacer así de Madrid un referente mundial del arte contemporáneo, como ya ocurre con los grandes museos que se fortalecen alrededor del Museo del Prado.

Responde: Inmaculada Juárez, artista.

Puntos fuertes: Interesante el pais invitado, aunque esperaba más. Una puesta en escena accesible, espacios mejor preparados para el videoarte, una seguridad más que aceptable para entrar (no diría lo mismo en el interior), excelente el material fotográfico y la escultura (aunque escasa), originalidad extraordinaria en elementos de gran formato o en artistas de la miniatura. Me encantaron emblematicas galerías españolas y aunque pocas, dejaron bien alto el pabellón.

Puntos débiles: Escasez de proyectos, performance e instalaciones impactantes. El idioma un gran reto a superar (sí, estamos en España, no está mal considerar el castellano en los stands); obras repetidas (algunas hace tres años que las veo y se nos supone una feria de arte vanguardista); eché de menos a galerías nacionales (más de una, de dos o de tres); practicamente ningún espacio adecuado para el descanso (7 horas ininterrumpidas de paseo, pueden ser agotadoras); la zona de revistas fué algo surrealista; muchos stands vacíos por completo y algunos sin atención; los espacios eran de lo más variopinto (o enormes y minimalistas, o abigarrados y pequeñísimos); galerías nuevas que no me aportaron nada (pero nada de nada) y galerias de siempre que se quedaron a medio gas (una pena). En fin! para eso están las nuevas ediciones, para enmendarse!

Propuestas: La corrección de los defectos, carencias, necesidades o errores cometidos en ésta edición. Y si ARCO no puede acoger en su seno a más galerías españolas, tiene dos opciones: o ampliarse o crear un ARCO paralelo, que dé vida a las salas nacionales de mayor prestigio. Una feria española no debe cerrar sus puertas a los españoles, en beneficio del movimiento internacional. Crecer no es sacar a unos para meter a otros. Crecer es CRECER.

Responde: Toni Pont, director de la galería Trama (Madrid).

Puntos fuertes: La selección de galerías, porque premia a las que apuestan por el arte contemporáneo y las nuevas tendencias, y los nuevos espacios expositivos, por su amplitud.

Puntos débiles: Los accesos a los distintos recintos feriales, por laberínticos, y el exceso de galerías extranjeras, que no aportan nada nuevo ni de calidad a la feria.

Propuestas: Un mejor trato y espacio para las galerías jóvenes.

la pintura mural

Caja Badajoz sufragará, a iniciativa del Ayuntamiento, la recuperación de la pintura mural de la Santísima Trinidad (iglesia Vieja del Arrabal)


 La obra pictórica, cuya restauración y consolidación superará los 20.000 euros, fue descubierta en la reciente puesta en valor del templo

 La iglesia de la Santísima Trinidad fue fundada en el S. XII por un caballero de la Orden de S. Juan de Jerusalén y se cita en las partidas de Alfonso X como “uno de los santuarios más famosos de la cristiandad”

 El mural permanecía semioculto porque durante los siglos XVII y XVIII gran parte de estas pinturas se encalaron por la orden del concilio de Trento, que aconsejaba eliminar cualquier elemento que desviara la atención de os fieles del punto central del altar



La Obra Social de Caja Badajoz sufragará, a iniciativa del Ayuntamiento de Salamanca, la recuperación de la pintura mural de la Santísima Trinidad (iglesia Vieja del Arrabal), que fue descubierta en la reciente puesta en valor del templo acometida por el Consistorio en su acuerdo con la Diócesis para que, a cambio, la institución municipal obtuviera la cesión de uso de la iglesia nueva del Arrabal en la que se ubicará un museo de arte dedicado a la Pasión.
Así lo acordó hoy en su visita al templo el alcalde de la ciudad, Julián Lanzarote, con el director de la zona norte de Caja Badajoz, Domingo Mateo Sánchez , cuya entidad bancaria costeará la recuperación de la pintura mural y consolidación por un importe aproximado de 20.000 euros.
La iglesia de la Santísima Trinidad fue fundada en el S. XII por un caballero de la Orden de S. Juan de Jerusalén y se cita en las partidas de Alfonso X como “uno de los santuarios más famosos de la cristiandad”. Una de las primeras noticias que se tienen del templo se debe a la donación que en 1626 hizo D. Nicolás al Cabildo de Santa María de un huerto que lindaba con esta Iglesia y con el arroyo del Zurguén. Dos siglos antes, concretamente en 1408, fue ocupada por religiosos trinitarios y también sirvió de estancia a dominicos y emparedadas. Esta iglesia, que en su origen es románica, de piedra, sillería y mampostería, es también una de las escasas construcciones que se salvaron tras la crecida de S. Policarpo en 1626.

El hallazgo

En la restauración que el Ayuntamiento emprendió durante el pasado mandato en la iglesia de la Santísima Trinidad fue descubierta la pintura al desprenderse parte de la cal que aún la mantiene semioculta. Este mural está localizado en el muro del Evangelio de la Iglesia, concretamente decorando el fondo de un arco de tres metros de altura por 1,80 de ancho.
La explicación histórica al hallazgo se remonta a los siglos XVII y XVIII cuando las pinturas murales de gran parte de las iglesias se encalaron. Esta práctica respondía principalmente a la orden del Concilio de Trento, que aconsejaba eliminar cualquier elemento que desviara la atención de los fieles del punto central del altar. Asimismo resultaba un método tan casero como higiénico para solucionar el problema de la peste. A pesar de ser sepultadas bajo la cal, muchas pinturas murales se salvaron pues la gran mayoría de las conservadas a la vista fueron eliminadas al no cumplir la función decorativa o religiosa-didáctica del momento.
En cuanto a la técnica de ejecución se trata de una pintura aplicada sobre un revoque seco, aunque humedecido la noche anterior a ejecutar la pintura con cal. Los colores se mezclan con esta misma agua o cal apagada; técnica en realidad más simple y menos complicada que el fresco, aunque su resultado sea menos sólido.

La intervención

La obra se encuentra actualmente semioculta por una capa de cal, aunque se observa que, probablemente, existen varias capas de policromía, como debe determinarse con un futuro análisis estratigráfico. El principal objetivo de la intervención que sufragará Caja Badajoz será recuperar la unidad potencial y la calidad estética original de la obra, sin ocultar los avatares que a través del paso del tiempo han incidido sobre ella. De manera prioritaria, se atenderá a la conservación de la misma salvaguardando su deterioro.
En los trabajos de restauración se primará la reversibilidad y diferenciación de los materiales originales y los añadidos. Se elegirán componentes que, siendo compatibles con los primigenios, sean distintos en su naturaleza. En el caso de la reintegración cromática de las lagunas de policromía, se elegirá un método legible, como el rigattino italiano o la tinta neutra que se integran visualmente, y como técnica se utilizará la acuarela con su reversibilidad y estabilidad.
La otra premisa de la restauración será orientar los trabajos hacia la conservación a largo plazo de la pintura mural, que también implicarán una intervención mínima de forma periódica para asegurar su mantenimiento.

El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM)

Europa Press - martes, 26 de febrero, 16.20VALENCIA, 26 (EUROPA PRESS) - El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) inaugurará hoy la exposición 'Ingestum-Los fluidos' en las que el director y videoartista Bigas Luna convierte el museo en un laboratorio creativo en el que experimentar, a través de los fluidos básicos del ser humano como la sangre, el agua y la leche materna, un retorno a la tierra y a los orígenes, según señaló hoy en rueda de prensa el propio autor.

Asistir a una cena en la que Bigas Luna hará las veces de anfitrión, medir la velocidad a la que la sangre sale del corazón o asistir al proceso de cristalización del agua son algunas de las propuestas que podrán disfrutar los visitantes de la muestra, que se podrá contemplar en diferentes espacios del IVAM hasta el próximo 4 de mayo.

El recorrido de esta singular selección, que patrocina el Grupo Roig, comienza en la explanada del museo, donde se ha instalado una gran "parrilla-altar" en la que esta misma noche para la apertura de la exposición se asarán "patatas y longanizas valencianas ecológicas, acompañadas por un vino también bio", explicó el realizador. Además, sobre la fachada del edificio se proyectarán los tres vídeos 'Orígenes de Courbet', que representan el origen de la vida.

Ya en el hall, se ha habilitado la mesa 'Ingestum' y se muestra el vídeo 'Collar de moscas'. A su lado, hay una instalación dedicada al agua y al artista japonés Masaru Emoto en la que se defiende la tesis de que este elemento tiene conciencia. En esta pieza, se podrán ver las cristalizaciones de agua que caracterizan el trabajo del creador nipón y que se proyectarán sobre el cuerpo de los espectadores.

En la primera planta, con la instalación 'CPS (centímetros por segundo'), los visitantes tendrán la oportunidad de comprobar a qué velocidad fluye su sangre a través de un ecocardiograma, que después podrán imprimir sobre un dibujo de Bigas Luna.

El itinerario expositivo continúa con un apartado dedicado a la sangre. Así, en la Galería 8 se ha instalado un laberinto llamado 'La Vía Lactea' en el que se ofrecen los vídeos realizador por Bigas Luna a lo largo de su carrera sobre la leche materna y la lactancia. 'Allatatrice', 'Mamador Molar', 'Virgen Lactatio' y 'Origen Lumière' son algunas de las piezas seleccionadas. El recorrido culmina con al videoinstalación de tres pantallas 'Gaudir Nouvelle' en la que el arquitecto Jean Nouvel ejerce por primera vez como actor.

El proyecto está concebido como un 'work in progress' o "proyecto semilla", en palabra de Bigas Luna, ya que no es un trabajo acabado. Un ejemplo es que en la exposición figura una mesa que se encargarán de serrar paulatinamente personas vinculadas al autor o al proyecto como Jean Nouvel "o Javier Bardem, al que tendré que proponerle que venga porque ahora todo el mundo me lo pide", bromeó.

Además, el catálogo publicado con motivo de la exposición pretende ser también un libro de ideas que dé lugar a nuevas reflexiones sobre el tema y el director avanzó su intención de rodar próximamente una película que se titularía 'De Leonardo Da Vinci a Ferran Adrià, pasando por Gordon Matta-Clark', que analizaría "cómo estos tres artistas se han acercado al mundo de la gastronomía".

REGRESO A LA TIERRA

Bigas Luna aseguró que en este momento de su carrera la vuelta a la tierra es algo "muy importante que ha mejorado mi vida". "Es como el Yin y el Yan porque sigo siendo un gran defensor y admirador de las nuevas tecnologías", aseveró. Por ello, consideró que esa voluntad de retorno a la tierra estaba ya "intuitivamente" en alguna de sus películas como 'Jamón, jamón' o 'Huevos de oro'.

El comisario de la muestra, el crítico uruguayo Ángel Kalenberg, enmarcó a Bigas Luna en toda una "estirpe" de directores de cine que han hecho incursiones en el mundo de las artes plásticas, como Hichtcock o Peter Greenaway, aunque recalcó que el catalán "ofrece un elemento nuevo, como es la ecología".

Por su parte, la directora del IVAM, Consuelo Ciscar, dijo que para Bigas Luna "la naturaleza es el lugar del goce estético, el ámbito en el que el hombre, en humilde contemplación, desarrolla su capacidad de sentir".

Iron Maiden

Iron Maiden da el "concierto más grande" de la historia de Costa Rica
La banda inglesa Iron Maiden actuará este martes por la noche ante unos 25.000 seguidores costarricenses y centroamericanos que prometen abarrotar el estadio Ricardo Saprissa, al norte de la capital, en el "concierto más grande" que recuerde el país.

Una flotilla de siete buses traerá a los fans salvadoreños y otra similar vendrá de Honduras, recorriendo más de mil kilómetros, para disfrutar por unas horas de los reyes del heavy metal.

Pero no solo los integrantes de Iron Maiden cantarán, también lo harán sus fans, quienes se preparan para cantarle el feliz cumpleaños al guitarrista Adrian Smith, quien cumple 51 años el miércoles 27, informó el diario La Nación, que ha seguido paso a paso los preparativos del concierto.

Cientos de jóvenes comenzaron a hacer fila para ingresar al estadio Saprissa desde el pasado viernes.

"Pasamos algo de frío -en las noches y madrugadas-, pero no importa. Nos entretenemos con la guitarra tocando canciones de Maiden", dijo a La Nación Marcel Rojas, un joven de 17 años.

"Es el concierto más grande que alguna vez se haya presentado en Costa Rica", dijo el pasado fin de semana el cantante de la banda Bruce Dickinson a La Nación, durante una rueda de prensa que ofrecieron en la capital mexicana.

La telonera del concierto en San José será la hija del bajista Steve Harris, Lauren Harris.

"La decisión de incluirla en la gira fue mía. Lo consulté con la banda y estuvieron de acuerdo", dijo Harris durante la rueda de prensa.

Dickinson también anunció que la banda británica -que viaja en su propio Boeing 757 pilotado por su multifacético cantante- grabará un nuevo disco. "Pero aún no estamos seguros de cuándo ocurrirá esto. Primero debemos terminar esta gira, preparar nuevas canciones y luego comenzar a pensar en el nuevo álbum", indicó.

"Vamos con entusiasmo. Será fantástico. Pueden estar seguros que vamos con una gran expectativa", señaló el músico de Maiden.

Por su parte, Harris señaló que han "tenido muy buena información acerca de este lugar y sabemos que también hay mucha gente que está viajando para estar ahí. Vamos con entusiasmo para ofrecer un gran show".

Iron Maiden inició el mes pasado en Mumbai (India) su gira 'Somewhere Back in Time World Tour 2008', que ya lo llevó a Australia, Japón, Los Ángeles y México. Tras presentarse en Costa Rica visitará Sudamérica -Brasil, Argentina, Chile y Colombia- después se trasladará nuevamente a varias ciudades de Estados Unidos, Puerto Rico y Canadá y en junio y julio recorrerá una decena de países de Europa.

La gira coincide con la edición en DVD del legendario 'Live After Death', para muchos entendidos el mejor registro en la historia del heavy metal, disco en vivo y vídeo lanzados en 1985 sobre el tour que la banda realizara en dicho año para la presentación del disco 'Powerslave'.

Iron Maiden, cuyo primer disco data de 1979, es junto a Judas Priest la banda emblemática del NWBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico, por sus siglas en inglés) y tiene editados 18 discos, 14 en estudio y cuatro en vivo.

Actualmente está integrada por el cantante Bruce Dickinson, el bajista y fundador Steve Harris, los guitarristas Adrian Smith, Dave Murray y Jannick Gers y el batería Nicko McBrain.

Tàpies se exhibe en Londres

La última producción de Tàpies se exhibe en Londres
Waddington Galleries nos muestra los trabajos más recientes del artista catalán

WADDINGTON GALLERIES
11 Cork Street Londres (Reino Unido)
Dieciséis pinturas representativas del último trabajo de Antoni Tàpies y dispuestas en orden según su tamaño, desde el pequeño panel de madera de Oval vermell hasta la monumental País d´ Avatamsaka, conforman esta exposición que podremos ver en las Waddington Galleries de Londres hasta el 29 de marzo.
La muestra pretende demostrar la influencia de la pared, como concepto y como imagen, en la obra de Tàpies; cuyo apellido en catalán traducimos, además, como muro. Desde que a mediados de la década de los cincuenta descubrió en París las fotografías de paredes cubiertas de graffitis realizadas por Brassai, éstas se han convertido, para el pintor barcelonés, en símbolo de la soledad espiritual o de la represión política, del paso del tiempo o de la contemplación interior, adquiriendo profundos significados. Los trazos que Tàpies imprime sobre sus obras recuerdan a menudo a las pintadas que recubren los muros de nuestras ciudades occidentales o a la caligrafía oriental. La T negra y mayúscula que utiliza de forma recurrente presenta también muchas connotaciones: más allá de ser la inicial de su apellido y del nombre de su primera mujer (Teresa), puede actuar como emblema pictográfico de la cruz, signo matemático o geográfico, alusión a un beso, a una señal de fe, a un arrepentimiento en la escritura, o al particular alfabeto que utilizaba Ramón Llull en Blanquerna.

Esa ambigüedad de los símbolos en el artista catalán se hace muy patente en una de las obras expuestas, Signos sobre materia, en la que cubre la superficie de madera con apuntes rápidos que podríamos considerar una ecuación, una inscripción de un texto antiguo o un jeroglífico fragmentado. El espectador se debate entre pensar si estas marcas reflejan la declaración inscrita de unos amantes o la cólera de unas voces que no vemos.

San Roque mi pintura

EuropaSur Campo de Gibraltar Algeciras "San Roque se merece lo mejor de mi pintura"
"San Roque se merece lo mejor de mi pintura"

PintorNació en San Roque, vivió en La Línea y ahora reside en Algeciras. El Campo de Gibraltar marca su obra además de haberlo hecho con su vida y la comarca también es donde expone habitualmente

DJesús Barroso Gil es de esas personas marcadas por el Campo de Gibraltar. Nació en San Roque, ha pasado gran parte de su vida en La Línea, donde se casó y tuvo sus hijos, y desde hace unos cuatro años reside en Algeciras, en la zona del Rinconcillo. Jesús pinta y hasta en su obra se aprecia la influencia de la comarca. Sin ir más lejos mañana concluye una exposición suya en el Palacio de los Gobernadores sanroqueño en la que abundan las marinas relacionadas con la Bahía de Algeciras, reflejada desde distintos enclaves, como la costa linense, la desembocadura del río Palmones o la mencionada playa del Rinconcillo. "He realizado la selección con mucho cariño y San Roque se merece lo mejor de mi pintura", cuenta.

Jesús, de familia artística también, ha participado en numerosas muestras. Fue un habitual en el encuentro de pintores y escultores del Campo de Gibraltar, en el que llegó a obtener una primera mención de honor, y en el de artistas plásticos de la comarca, en el que también fue reconocido, en concreto con un segundo premio. De forma individual su obra igualmente ha podido ser contemplada en diferentes municipios de la zona.

vida y obra de la poetisa Carmen Conde

Una exposición repasa la vida y obra de la poetisa Carmen Conde a través de manuscritos y documentación inédita
Europa Press - martes, 26 de febrero, 17.17La muestra, que permanecerá en el Archivo General de la Región de Murcia hasta el 14 de abril, conmemora el centenario del nacimiento MURCIA, 26 (EUROPA PRESS) - El consejero de Cultura, Juventud y Deportes, Pedro Alberto Cruz, inauguró hoy, junto a la alcaldesa de Cartagena, Pilar Barreiro, y la directora de Proyectos de la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) del Ministerio de Cultura, Carlota Álvarez Basso, la exposición 'Carmen Conde, Voluntad Creadora', que repasa la vida y obra de la poetisa cartagenera a través de manuscritos, documentación inédita y fotografías.

La muestra permanecerá en la sala de exposiciones del Archivo General de la Región de Murcia hasta el próximo 14 de abril, según informaron fuentes del Gobierno regional en un comunicado de prensa.

La exposición conmemora el centenario del nacimiento de la escritora cartagenera Carmen Conde (1907-1996) y en ella se exhiben las distintas facetas de la actividad literaria y cultural desarrollada a lo largo de su vida estructurado a través de cuatro apartados: 'Primeros años. Cartagena'; 'Guerra Civil y posguerra'; 'Etapa de Plenitud'; y 'Carmen Conde, Académica'.

Como refleja su título, la muestra pretende además mostrar la fuerza de la voluntad de una mujer que, pese a las adversidades, logró situarse en el primer plano de la actividad académica nacional siendo la primera mujer que ingresa en la Real Academia de la Lengua, al tiempo que desarrolló una de las más singulares obras literarias, hasta convertirse en una de las voces poéticas más apreciadas de la literatura española del siglo XX.

El director general del Libro, Archivos y Bibliotecas, Francisco Giménez, subrayó la "voluntad de la Consejería de Cultura, Juventud y Deportes de llevar la marca de Murcia como cultura fuera de la Región, objetivo para el que la figura de Carmen Conde es perfecta como poeta universal que nace en esta tierra".

Giménez destacó, asimismo, "la enorme fuerza de voluntad" de Carmen Conde ya que "tuvo que integrarse en el mundo literario en un momento en que no puede haber más brillo en la poesía española y en el que la mujer tenía que demostrar infinitas más cosas para conseguir su posición en la sociedad".

De igual forma, el director general del Libro incidió en la "categoría inmensa del catálogo" que se ha editado con motivo de la muestra y que reúne el material gráfico expuesto así como los trabajos de diferentes especialistas relacionados con todos los ámbitos en los que trabajó Carmen Conde.

Por su parte, el comisario de la muestra, Francisco Javier Díez de Revenga, recalcó el propósito de la muestra de "destacar la fuerza de una mujer que luchó por afirmar sus capacidades intelectuales hasta lograr situarse en el primer plano de la actividad académica y de la poesía en España", así como, dar cuenta de "la multiplicidad de actividades desempeñadas por Carmen Conde".

LIBROS Y REVISTAS CON TEXTOS DE CONDE. La exposición la componen libros y revistas con textos de Conde. También pueden encontrarse documentos originales como cartas, manuscritos, pequeños impresos, documentos personales de identificación, entre otros.

Destaca la correspondencia que mantuvo la escritora con los 'premios Nobel' Juan Ramón Jiménez, Gabriel Mistral, Vicente Aleixandre, Pablo Neruda, Camilo José Cela, y con otros escritores como Azorín, Jorge Guillén, Dámaso Alonso, Miguel Hernández y otros muchos. Además, se completa con retratos, fotografías familiares y objetos personales y audiovisuales, como entrevistas en programas de radio y televisión.

La muestra, que se inició en Cartagena el pasado mes de octubre, recorrerá todas la ciudades vinculadas a la vida de Carmen Conde. De esta manera, en junio irá a la Biblioteca Nacional de Madrid, coincidiendo con un encuentro internacional de mujeres intelectuales organizado por la Universidad Complutense, y en septiembre se expondrá en Melilla.

La exposición está organizada por la Consejería de Cultura, Juventud y Deportes, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, adscrita al Ministerio de Cultura, y el Ayuntamiento de Cartagena a través del Patronato Carmen Conde.

Agua y arquitectura

Agua y arquitectura centrarán el XI Simposio de Mudejarismo

Abierta la inscripción para la edición que se celebrará en septiembre

P. F. / Teruel
El XI Simposio Internacional de Mudejarismo, que se celebrará el próximo mes de septiembre, se centrará en el agua y en la arquitectura con una sección sobre las intervenciones en los monumentos mudéjares y otra sobre el agua en la cultura hispanoamericana. El plazo de inscripción se ha abierto ya. Ayer, los responsables de las entidades implicadas presentaron la próxima edición de esa cita que cada tres años convierte a Teruel en la capital mundial del mudéjar.

El Simposio está organizado por el Centro de Estudios Mudéjeres, entidad adscrita al Instituto de Estudios Turolenses y patrocinado por la Diputación de Teruel, el Gobierno de Aragón, el Ayuntamiento de la capital y Caja de Ahorros de la Inmaculada.

La presentación de este Simposio coincide con el cambio de dirección que se ha producido en el Centro de Estudios Mudéjares.

Desde el pasado mes de diciembre el profesor titular de Historia Moderna de la Universidad de Zaragoza, José Manuel Latorre, ha cogido el relevo a Esteban Sarasa. La diputada provincial de Cultura, Lucía Gómez, agradeció la labor realizada por Sarasa y apuntó que ahora comienza una nueva etapa con un empuje diferente de cara a la investigación y la incidencia en los elementos social y cultural.

El director general del Gobierno de Aragón, Ramón Miranda, apuntó que actividades como la que lleva a cabo el Centro de Estudios Mudéjares contribuyen “a trabajar en la entidad del territorio” y “ayuda a transcender fronteras” a la vez que “engarza con la realidad actual, la de la interculturalidad”.

Ejército de Terracota

El Museo Británico, la gran atracción de Londres por los guerreros chinos
El éxito de la exposición del Ejército de Terracota del primer Emperador de China convirtió al Museo Británico en la principal atracción de la capital británica, anunció el lunes la Asociación de Principales Atracciones Turísticas de Londres (ALVA).

El British Museum recibió 5 millones y medio de visitantes el año pasado, un aumento del 12% respecto a 2006, lo que relegó a un segundo lugar a la popular galería de arte contemporáneo Tate Modern, que recibió a 5,2 millones de visitantes el año pasado, indicó la fuente.

ALVA precisó que el incremento en la popularidad del Museo Británico se debió principalmente a la exhibición 'El Primer Emperador: El ejército de Terracota de China', que se inauguró en septiembre pasado, hasta el 6 de abril.

Esta muestra de figuras de guerreros, músicos y acróbatas en terracota provenientes de tumba del emperador chino Qin Shihuang (259-210 BC) - que representa el mayor hallazo arqueológico del siglo XX - ha sido la más popular del British Museum desde que exhibió la máscara de oro del faraón egipcio Tutankamon, en 1972, indicó la fuente.

En tercer lugar de la lista de ALVA figura la Galería Nacional (4,1 millones de visitantes) y en cuarto el Museo de Historia Natural (3,6 millones).

En séptimo lugar en la lista de atracciones turísticas figura la Torre de Londres, que fue visitada el año pasado por dos millones de personas.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. MNCARS de Madrid organiza una nueva exposición en el Claustro de la Abadía del Monasterio de Silos, esta vez, dedicada a la producción reciente de Xavier Mascaró (París 1965), uno de los máximos exponentes de la escultura en nuestro país. La muestra, que está compuesta por once esculturas y cuatro dibujos, ha sido comisariada por Francisco Carpio y permanecerá abierta hasta el 4 de mayo de este año.
Después de su transformación en escultor, tras un progresivo aumento de la materia en su pintura, Xavier Mascaró ha continuado jugando en su obra con materiales y formatos de lo más diversos -cristal, bronce, piedra, cerámica, fotografía e incluso vídeo- con la finalidad de detallar sus obras, dotándolas de una mayor "presencia". Su imaginario es de lo más variado, y hasta ahora siempre aludía a lo humano sin llegar a mostrarlo de forma explícita; comprende seres imaginarios, animales, objetos fantásticos, de tipo religioso, armaduras, máquinas... La relevancia de estas piezas no reside, sin embargo, en lo que representan, sino en lo que simbolizan, de tal modo que su obra aún siendo figurativa está invadida de un fuerte carácter conceptual. Vale la pena destacar que en la exposición podrá contemplarse Departure, la escultura de un barco que para el comisario constituye un resumen de las aspiraciones artísticas de Mascaró. El poderoso hierro en combinación con las livianas telas envejecidas transmite una sensación de provisionalidad que casa a la perfección con todo el simbolismo de los navíos. Un gran ejemplo, por tanto, del carácter alegórico que impregna toda su obra.

OBRAS EN EXPOSICIÓN

Como continuación del proyecto PRÓSPERA, presentado en el mes de septiembre en el Instituto Cervantes de Pekín, la artista Carme Nogueira (Vigo, 1970) busca de nuevo un diálogo con la cultura china que en esta ocasión toma como referencia el contexto más próximo, la ciudad donde vive y desarrolla su trabajo.

La propuesta para el Espazo Anexo del MARCO incluye varias intervenciones dentro y fuera del ámbito expositivo propiamente dicho, jugando con la ambivalencia de los lugares públicos y privados: acciones en la calle, instalaciones y videoproyecciones dentro de la sala de exposición, y una intervención con la artista Azucena Vieites sobre la fachada posterior del MARCO, frente al Espazo Anexo.

SÍNTESIS DEL PROYECTO

PRÓSPERA, de la artista gallega Carme Nogueira, se enmarca en el conjunto de actividades artísticas y culturales organizadas por el Instituto Cervantes con motivo de la celebración del Año de España en China. En septiembre de 2007, el MARCO de Vigo presentó en el Instituto Cervantes de Pekín una propuesta de Carme Nogueira que establecía un diálogo entre la cultura china y la española centrado especialmente en el crecimiento económico y urbano.

El nombre del proyecto juega con varios sentidos del término: en español, ‘Próspera’ procede del vocablo latino prospĕrus, que significa ‘favorable, propicio o venturoso’, pero es también el nombre de un bazar chino en Vigo, ciudad en la que trabaja y vive la artista.

La obra de Carme Nogueira en Pekín consistía en varias piezas relacionadas, con acciones en la calle, una intervención site-specific en la fachada, y una instalación en el interior de la sala de exposiciones. Un proyecto que ahora tiene su continuidad en el Espazo Anexo del MARCO, y que se relaciona con la mirada de esta artista sobre el espacio público, sobre el significado del contexto urbano, su uso y sus alteraciones, presentes ya en propuestas anteriores.

La intervención sobre la fachada del Instituto Cervantes de Pekín encuentra su paralelo en Vigo mediante una acción sobre la pared posterior del MARCO, realizada en colaboración con la artista Azucena Vieites. La acción a pie de calle que tuvo lugar en China, con el puesto de venta/reparto de camisetas serigrafiadas con la palabra ‘Próspera’, adquiere un nuevo significado por la diferencia de contexto urbano, social, cultural y comercial. Y ambas tienen su reflejo en el interior del Espazo Anexo, a través de vídeos que sirven como documentación de estas acciones, proyectados sobre una de las paredes interiores y sobre las cajas que conforman la instalación de la serie Refugios.

La intervención de Azucena Vieites —un grafiti con la portada del libro New Feminism (Eds. Marina Gržinić, Rosa Reitsamer. Löcker Verlag, Viena, 2007) diseñada por la propia artista— se realizó sobre la fachada posterior del MARCO antes de la inauguración, en una hora tardía, casi en la oscuridad. Intencionadamente, las artistas refuerzan así la idea de actuar al margen de lo establecido, y en un lugar poco transitado. En el interior de la sala, los audiovisuales que documentan las acciones de calle en Pekín y Vigo se presentan enfrentados para marcar los contrastes entre el día y la noche, entre el espacio comunitario y el conflictivo, como un diálogo entre complementarios. Y se incluye también una instalación fotográfica sobre las cajas de los Refugios, cuya estructura está basada en un hutong, vecindario tradicional de pequeñas casas compartidas que muestra la importancia de la vida comunitaria en la sociedad china.

Los Refugios de Carme Nogueira, realizados a partir de cajas de cartón a escala humana, sugieren una forma de ocupación del espacio que tiene que ver con la visión de un contexto arquitectónico y urbanístico, pero también con la idea de in-corporación, de hacer de ese espacio parte del cuerpo. Refugios emocionales y casi físicos, que nos hacen conscientes de la precariedad de nuestra posición.

“El modo de comportarse, mostrarse, resistirse, crea espacios propios que no se pueden ver, pero que habitan el contexto. In-corporan actitudes que dan forma a un nuevo espacio, una forma de vivir que es, en cierto modo, un ‘refugio’ en el espacio social. Estos ‘espacios personales’ funcionan de un modo similar a esas formas de habitabilidad que hemos denominado arquitectura popular.”

“Esos nuevos espacios personales, tanto en la forma de refugios físicos como en las abstracciones de las respuestas emocionales, acaban influyendo en el espacio circundante de forma que varían su significado. Deconstruyen su sentido. Del mismo modo que los refugios físicos niegan la ordenación del espacio, las reglas que intentan organizar, dar sentido, a un espacio organizado, los refugios emocionales que nos construimos para defender una postura personal, mantener una distancia crítica, un lugar propio, también transforman el contexto social en el que se ubican.”

viernes, 22 de febrero de 2008

Pink Floyd: Arquitectos del rock


Una sección de CARLOS TENA.

En mis años de universidad, eran las facultades de Medicina y Filosofía en Madrid de donde salían los esquejes guitarreros que, con el tiempo y muchas cañas, darían origen a varios de los conjuntos españoles que se atrevían con el rock. De Los Estudiantes a Los Pekenikes (que devinieron Brincos), de Los Sónor a Los Relámpagos, el pop bullía tanto en las confortables habitaciones de colegios mayores del barrio de Argüelles, como en los cuartuchos de las modestas pensiones de los barrios castizos.

En Londres, cuando Beatles y Stones ya se habían consagrado como representantes de dos tipos de juventud, aparentemente alejadas entre sí (la sociedad media prefería las obras de Paul y John, mientras que el proletariado optaba por las de Mick y Keith), en el Politécnico de Arquitectura, tres aspirantes a Gaudí, más un alumno procedente del Liceo de Artes, se reunieron para diseñar un edificio realmente original para aquel entonces, al que bautizaron como The Pink Floyd Sound, nombre que venía a ser un guiño a dos bluesmen norteamericanos (Pink Anderson y Floyd Council), aunque lo que se sacaron de las meninges no tuviera que ver nada con las quejas inherentes a la obra del colectivo negro. Los cuatro veinteañeros eran: Roger Waters (bajista y cantante), Syd Barrett (voz y guitarra), Richard Wright (teclados) y Nick Mason (batería), aunque en el camino a la gloria, desertaron, por motivos varios, Clive Metcalf, Juliette Gale y Keith Noble.

Avanzada la década de los sesenta, mientras buena parte de España se aburría musicalmente soportando las descargas de Raphael o Karina, la Tuna y Manolo Escobar, en la pérfida Albión ya se iniciaba una tímida incursión en los predios de lo “underground”, cuando también se comenzó a saborear la miel de la psicodelia musical, que se ofrecía en medio de un modesto espectáculo de luz y efectos visuales múltiples aunque muy cargantes, proyectando diapositivas remedando manchas de sangre que tomaban diversas formas mórbidas, amén de otros trucos menos aburridos, entre los que solían destacar fragmentos de aquellos heroicos cortos de Buster Keaton o Harold Lloyd.

La banda registra entre el 66 y el 68, dos álbumes: The Piper at the gates of dawn y A saucerful of secrets, el primero de los cuales recoge un incipente expresionismo floydiano, que tanto en lo musical como en los textos, pretenciosamente surrealistas, de Syd Barret, padre fundador del grupo y líder carismático, revelan ya su singular trayectoria artística, reflejada en temas como “Interstellar overdrive”, “Astronomy domine”, “Arnold Layne” o “See Emily Play” (el primero que se edita en España por la EMI en forma de EP). Pero los chutes de ácido lisérgico que solía meterse el amigo Syd, lograron que el resto de los componentes se decidieran por mandarle a tomar por el culo (otra expresión sería un eufemismo barato), contratando al guitarrista David Gilmour, cuyo estilo exquisito y dulce venía como anillo al dedo para los planes de estos arquitectos del rock

Hacia comienzos de 1970, el imperio Pink Floyd se extiende por medio mundo, aunque no podían con la inmensa fortaleza de los Stones, Kinks o los ya difuminados Beatles, cuyos componentes emprendían en esos años sendas carreras en solitario. Su público no es el de los reyes del beat o el R&B, sino un colectivo más exigente, cuyos objetivos se hallaban más cerca del “goce intelectual” de la música, que del simple disfrute rítmico de cuatro guitarrazos en una discoteca, donde arrimar paquete sobre el pubis de una muchacha con minifalda… o en el trasero de un gay atrevido. Waters, Gilmour, Wright y Mason son cuatro músicos de una pieza, ensamblados perfectamente, capaces de lograr la cuadratura del círculo, asunto que se materializa en el doble álbum Ummagumma, donde el lucimiento instrumental de todos ellos era inevitable. Un año antes, el disco More no había emocionado ni a la crítica, ni a los adictos.

Las siguientes producciones realizadas hasta 1973 (Atom heart mother, Meddle y Obscured by clouds), no obtuvieron otra cosa que unos inefables y extensos artículos en la prensa británica y norteamericana, por cierto de una pretenciosidad insoportable, logrando que yo mismo tuviera alguna bronca con amigos y colegas cercanos, dado que hasta bien entrada la década del setenta, mi debilidad por el grupo era tanta como la que sentía por King Crimson o Amon Düll, a quienes jamás soportaré aunque caigan sobre mí las iras de sus mil fans. La culpa de todo el desmadre que se armó en los establos del rock la tuvo el músico alemán Stockhausen, aunque a este último, espléndido representante de la música dodecafónica, le adoré cuando, en una extensa declaración describió el atentado contra las Torres Gemelas como “Una auténtica obra de arte”. Casi nadie comprendió el sarcasmo de su frase y fue condenado y amenazado por toda la prensa USA, incapaz de saber leer más allá de las palabras del genio, fallecido por cierto hace tres meses. Esa bofetada se sacó del contexto general en el que fue pronunciada, y ya es historia.

En 1973, Pink Floyd editan su primer disco trascendental: The dark side of the Moon, que con más allá de 40 millones de copias vendidas es una de las obras de mayor repercusión en la historia del rock. Era también el primer álbum del concepto del grupo, que poseía como base “una idea” o “clave musical” que gobernaba el desarrollo de las canciones. Tal “razón” es la que se oculta en “el lado oscuro de la Luna”, un paisaje enigmático, un paraje desolador, pero que inspiraba todo tipo de alucinaciones, como se constató en los títulos de las canciones que hablaban de la incomunicabilidad, la enajenación del hombre del siglo XX, de la perversión de una sociedad, cuya complejidad ideológica devenía en conflictos armados cuyo resultado eran millones de muertos. Gilmour y Waters se explayaron a gusto asegurando que: “El disco es una denuncia de la condición mísera del hombre: con los ojos mirando al lado oscuro de la Luna, anhelando un vuelo que lo libere hacia un espacio sideral, empujado únicamente por la curiosidad, pero a la vez, atraído por esa atmósfera oculta que llega a ser esquizofrenia”.

“El lado oscuro de la Luna” ha sido también un álbum muy discutido, siempre entre el infierno y la gloria, caminando en complicado equilibrio entre el mito y la crítica iconoclasta por su carácter innovador, no sólo en la concepción, sino por el sonido, la producción, el diseño y el orden de los temas. Para millones de personas, este es seguramente el mejor disco de Pink Floyd, que incluso batió todos los records de permanencia en las listas de éxitos, con más de diez años de presencia en ellas. Fue número uno en Estados Unidos y número dos en Inglaterra y su tema más representativo, “Money”, aún se interpretaba hasta hace poco tiempo en las espectaculares giras de la banda británica. Nadie recuerda que en aquella época, otro grupo pudiera llevar a escena un ingente despliegue de luces y sonidos como jamás se dio en la historia de los conciertos en directo.

Para estos arquitectos del edificio sonoro agrupados bajo el seudónimo de Pink Floyd, la música no son sólo simples canciones, sino sinfonías con más de cuatro movimientos, conciertos donde puede aparecer, repentinamente, un cuarto elemento, óperas sin arias y obertura, teatro sin actores, en fin, luz y sonido en todas las formas posibles. Su periodo más fructífero fue sin duda el que mediaba entre 1970 a 1979, una etapa de madurez y reflexión jamás repetida, en la que se editaron sus mejores joyas.

Precisamente, mucho antes de que el singular “Loco de la Colina” (Jesús Quintero) se lanzara a la radio apoyándose en la sintonía con la música del grupo, colegas bien diferenciados como Gonzalo García Pelayo, Adrián Vogel y yo mismo, manteníamos largas discusiones sobre la obra de Rogers, Gilmour, Wright y Waters, que no olvidaban a su viejo amigo Syd, a quien dedicaron el espléndido Wish you were here (1975), obra maestra que contenía inolvidables páginas como “Shine on your crazy diamonds”, “Welcome to the machine” o “Have a cigar”, en las que las guitarras son apabullantes. Un disco de una belleza indescriptible, sólo comparable al de 1977 titulado Animals.

En Cannes, cuando en el MIDEM se ofrecían conciertos en directo de estrellas de primera magnitud, en ese invierno primaveral de la Costa Azul, en aquel año 77, los cuatro miembros de la banda me entregaban un ejemplar rosado, tanto en la portada como en el vinilo utilizado. Un regalo que hoy vale más de 1.000 euros, porque únicamente se editaron 500. La rueda de prensa fue multitudinaria pero el concierto no se celebró, porque las condiciones del escenario del Palais de la pequeña ciudad francesa, no cumplían los mínimos en dimensión y materiales. Animals es probablemente el álbum más complicado de Pink Floyd. Las ideas básicas fueron escritas antes de Wish you… pero los caprichos de Wright y cierta exigencia para redondear los temas, provocaron que se retrasara su estreno. Cambia también el lugar de grabación, ya que es el primer álbum de Pink Floyd registrado en un estudio propiedad de la banda, se utilizan innumerables efectos, recogiendo los ecos del incipiente movimiento punk, cuya agresividad critican ácidamente. En París, ese mismo año, la cosa fue distinta. Los “Animales” de Pink Floyd flotaban por el aire, convertidos en globos rosáceos, mientras sobre la inmensa escena, la música acompañaba a un cerdo, un caballo… Fue un espectáculo con detalles circenses, pero de una originalidad aplastante. Sin embargo, algo estaba ocurriendo. La banda parecía haber llegado a una cima insuperable.

A partir de The wall, otro álbum conceptual que narraba la caída de una estrella del rock, y además con película protagonizada por el insoportable, ex Boomtown Rats, Bob Geldof (uno de los más destacados estafadores de la escena rockera, organizador de conciertos “benéficos”, junto con el no menos astuto Bono), Pink Floyd han continuado sus apariciones y desapariciones como el Guadiana. La inspiración se ha ido desvaneciendo para dar paso a una serenidad escénica pasmosa para su edad, aunque no han faltado intentos por seguir sorprendiendo a las nuevas generaciones, como cuando publicaron The final cut, A momentary lapse of reason, Delicate sound of thunder, The division bell, o Pulse en 1994, editando igualmente piezas inéditas de las decenas que esconden bajo llave desde los lejanos tiempos con Barret.

Puedo afirmar que no son santos de mi devoción, pero confieso también que tres de sus discos suenan con cierta asiduidad en mi hogar habanero. Adivinen cuáles.

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